20 de novembro de 2012
18 de agosto de 2012
Relatório da Música
Escola
Estadual Desembargador Rodrigues Campos
Disciplinas:
Arte – Professora: Shirley
Mini
Projeto: Dança-
Ritmo Cinematográfico / 2012
Relatório
da Música - Turma: ________
Equipe:
__________________________________________________________________________________________________________________________________________
Década:
______________________________________________________________
Filme:
____________________________________________________________________
Ritmo (estilo):
____________________________________________________________________
Música da trilha sonora:
____________________________________________________________________
Compositor (es):
_____________________________________________________________________
Intérprete(s):
_____________________________________________________________________
Letra da música:
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Tradução
da Música ____________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Relatório do Ritmo
Escola
Estadual Desembargador Rodrigues Campos
Disciplinas:
Arte – Professora: Shirley
Mini
Projeto: Dança-
Ritmo Cinematográfico / 2012
Relatório
do Ritmo - Turma: ________
Equipe:
__________________________________________________________________________________________________________________________________________
Década:
______________________________________________________________
Filme:
_______________________________________________________________
Ritmo (estilo):
_________________________________________________________
Música da trilha sonora:
_________________________________________________
Data Cronológica:
_____________________________________________________
Histórico:
a) Origem do Ritmo:
__________________________________________________________________________________________________________________________________________
b) Instrumentos mais
usados:
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
c) História:
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
d) Principais nomes
(dançarinos/bailarinos):
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Relatório do Filme
Escola
Estadual Desembargador Rodrigues Campos
Disciplinas:
Arte – Professora: Shirley
Mini
Projeto: Dança- Ritmo Cinematográfico
/ 2012
Relatório
do Filme - Turma: ________
Equipe:
________________________________________________________________________________________________________________________________________________
01.
Título
________________________________________________________________________________
02.
Procedência/ano
________________________________________________________________________
03.
Direção
________________________________________________________________________________
04.
Elenco
________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
05.
Enredo
________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
06.
Músicas do filme (nome, cantor)
________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________
07.
Conclusão
________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________
08.
Sua nota de 0 a 5 para o filme:
____________________________________________
Relatório da Década
Escola
Estadual Desembargador Rodrigues Campos
Disciplinas:
Arte – Professora: Shirley
Mini
Projeto: Dança-
Ritmo Cinematográfico / 2012
Relatório
da Década - Turma: ________
Equipe:
__________________________________________________________________________________________________________________________________________
Década:
______________________________________________________________
Histórico:
a) Principais Fatos:
______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
b) Principais
Dança:
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
c) Principais filmes
relacionados à dança:
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
d) Principais nomes
(dançarinos/bailarinos):
____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
30 de julho de 2012
18 de julho de 2012
17 de julho de 2012
Idade Antiga
Aos meus alunos do 7o. ano
Idade Antiga
Arte
Egípcia Arte Cretense Arte Grega Arte Etrusca Arte Romana Arte
Paleocristã Arte Bizantina Arte Islâmica
A
arte na Idade Antiga mostra-nos diversos fundamentos ideológicos,
pois é extremamente abrangente e composta pelas riquezas das artes
egípcia, grega, romana, paleocristã, bizantina e islâmica.
Enquanto a arte egípcia é ligada ao espírito, aos deuses e sua
glorificação, a arte grega liga-se à inteligência. A arte grega
volta-se para o gozo da vida presente, contempla a natureza, o
artista, através da arte, exprime suas manifestações. Na sua
constante busca da perfeição, o artista grego cria uma arte de
elaboração intelectual em que predominam o ritmo, o equilíbrio, a
harmonia ideal. Eles têm como características: o racionalismo; amor
pela beleza; interesse pelo homem e a democracia. A arte romana
sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular, voltada
para a expressão da realidade vivida, e a da greco-helenística,
orientada para a expressão de um ideal de beleza. Enquanto os
romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por
toda a Europa e parte da Ásia, os cristãos (aqueles que seguiam os
ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e
simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas.
Surge a arte cristã primitiva. A arte bizantina sofreu influências
de Roma, Grécia e do Oriente. Foi conduzida pela religião. A união
de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo, rico tanto
na técnica como na cor. A Arte islâmica, inevitavelmente, absorveu
traços dos povos conquistados. De origem nômade, os muçulmanos
demoraram para estabelecer sua própria identidade artística. Ao
definir seu estilo conceitual e religioso, nos deixaram as belas
cúpulas nas mesquitas e lindos tapetes persas.
Arte
Egípcia
A
civilização egípcia foi uma das mais importantes da Antigüidade e
também muito rica em suas manifestações culturais. A religião era
o aspecto mais significativo de sua cultura, orientando sua produção
artística. Assim, os antigos egípcios acreditavam firmemente na
vida depois da morte e a maior parte de sua arte encontra-se em
túmulos e monumentos. Infelizmente, muito da arte egípcia
desapareceu, ladrões saquearam tumbas e ruínas e a maior parte do
que se conhece chegou até hoje através de sua escrita.
Pintura
Os
egípcios antigos começaram a pintar aproximadamente há seis mil
anos. Os artistas egípcios pintavam sobre as paredes dos templos e
palácios, mas grande parte de seus melhores trabalhos é vista em
tumbas. Como outros povos primitivos, os egípcios acreditavam que a
arte era uma maneira mágica de transportar coisas deste mundo até o
mundo para onde as pessoas iam depois da morte. Os artistas decoravam
as tumbas com afrescos que mostravam pessoas e objetos relacionados
com a vida do morto. Alguns especialistas acreditam que eles queriam
certificar-se de que os deuses compreendiam os afrescos, de maneira
que as pessoas mortas pudessem recuperar seus bens no outro mundo.
Isto explicaria por que os artistas egípcios pintavam de acordo com
regras rigorosas que quase não se alteraram durante milhares de
anos. As figuras por eles desenhadas parecem rígidas. As cabeças
humanas são sempre pintadas de perfil. Os ombros e o corpo voltam-se
para a frente, e os pés, para um lado. As pessoas importantes nas
pinturas do Egito antigo aparecem maiores do que as outras.
Os
artistas pintavam as tumbas apenas para os deuses e as almas dos
mortos. As tumbas eram trancadas e se pretendia que os afrescos
lindamente coloridos nunca mais fossem vistos.
Escultura
A
escultura egípcia desenvolveu-se no Egito há cerca de 3.000 a.C. e
continuou sem mudanças por mais de três mil anos. Era feita para
reverenciar uma pessoa ou comemorar um acontecimento. Estátuas de
reis e rainhas que os egípcios consideravam deuses, eram feitas em
tamanhos enormes. Faraós incentivavam e financiavam os artistas. Uma
das estátuas mais bonitas é o busto da Rainha Nefertiti, onde um
rosto ainda jovem, mostrava traços perfeitos e melancólicos.
Relevos eram esculpidos nas paredes dos templos retratando cerimônias
religiosas ou grandes acontecimentos como batalhas importantes. Os
escultores egípcios também entalhavam estátuas em madeira ou pedra
para serem colocadas em sepulturas para representar o morto. Estas
figuras mostravam cenas da vida cotidiana iguais às atividades que
se acreditava que o morto iria desempenhar no outro mundo. Suas
oficinas eram muito organizadas, aprendizes faziam o trabalho mais
pesado do começo do entalhe, escultores práticos realizavam o
entalhe final e o acabamento ficava para o especialista, que mais
tarde tornava-se um chefe da oficina. Elmos, escudos e taças eram
primeiro entalhadas em madeira e depois cobertas de folhas de ouro ou
prata que eram marteladas até adquirirem a forma desejada. Estas
pequenas esculturas faziam parte da decoração de palácios.
Arquitetura
A
arquitetura egípcia tem características pesadas, identificando
durabilidade e solidez. Ao observá-las, percebemos um clima
misterioso e um sentimento de eternidade. As pirâmides de Quéops,
Quéfren e Miquerinos são as obras arquitetônicas mais antigas do
Egito juntamente com a esfinge do faraó Quéfren. Elas foram
construídas com toneladas de pedras magnificamente lapidadas. Seu
interior era um labirinto que levava à câmara funerária, onde
ficava a múmia do faraó e seus pertences.
Os
templos e túmulos são também monumentos de grande expressão e se
classificam em Pirâmide (túmulo real, destinado ao faraó), Mastaba
(túmulo para a nobreza) e Hipogeu (túmulo destinado à gente do
povo). As colunas egípcias de dividem em Palmiforme (flores de
palmeira), Papiriforme (flores de papiro) e Lotiforme (flor de
lótus).
Arte
Cretense
A
arte cretense mostra grande influência dos povos do Oriente Próximo,
tem como características a vitalidade, originalidade, graciosidade e
espontaneidade, mostrando um povo independente, que não usava sua
arte para satisfazer classes dominantes e religiosos. Suas figuras
humanas normalmente tinham a cabeça e as pernas em perfil e os olhos
e o corpo de frente. Seus artistas conseguiam exprimir movimentos de
grande força, como a fúria de um animal selvagem e também a
delicadeza do movimento de um peixe.
Pintura
Aproximadamente
em 2.500 a.C., enquanto florescia a civilização egípcia, outra
grande civilização surgia na ilha de Creta. Os cretenses, povo
dedicado à navegação, entravam em contato freqüente com os
egípcios. Adotaram então, alguns elementos da arte egípcia
inclusive a maneira de pintar figuras humanas. Mas o estilo cretense
não tinha a rigidez do egípcio. As pinturas cretenses são vivas, e
as figuras que nelas se observam parecem flutuar e dançar. O que é
mais importante: estes pintores, ao contrário dos do Egito,
interessavam-se pela vida neste mundo. Usavam pinturas para decorar
edificações ao invés de esconder as pinturas em tumbas. Assim, a
arte cretense tornou-se uma ponte entre a arte egípcia, que
enfatizava a morte, e a arte da Grécia e da Roma antigas, que
tratava da vida.
Escultura
Os
povos que habitavam as ilhas Cíclades do mar Egeu, entalhavam
figuras em mármore branco, antes de 3.000 a.C. A maioria de suas
figuras era de mulheres. Seus escultores não tinham ferramentas de
metal, mas poliam as figuras com seixos de esmeril. Durante os
séculos XVI e XV a.C., os cretenses fizeram figuras moldadas em
bronze; como não poliam o bronze, as figuras tinham um acabamento
áspero. As estátuas eram pequenas, com um aspecto muito natural.
Foram também encontradas esculturas de homens e representações de
animais, sobretudo touros.
Arquitetura
Na
maior ilha grega do Mar Egeu, a Ilha de Creta, se desenvolveu a
brilhante civilização cretense. A arquitetura cretense sofreu forte
influência das civilizações do Oriente Próximo, por volta do III
milênio a.C. e deixou vestígios de grandiosos palácios com teatros
ao ar livre, labirintos com salas e corredores, e visava sobretudo o
conforto da realeza. Os palácios possuíam quartos decorados,
oficinas, redes de água e esgoto, denotando alto nível de
civilização e organização social. As moradias foram construídas
com solidez e conforto, porém sem encantamento ou beleza. Estudos
arqueológicos acusaram uma catástrofe em Creta, por volta de 1750
a.C., que soterrou os palácios.
Foram
encontradas as ruínas das cidades de Cnossos e Faístos.
Posteriormente outros palácios foram erguidos, como o Palácio de
Cnossos, enorme, com sala do trono, teatro, pátio central com mais
de 10.000 metros quadrados, somando 1300 divisões.
Arte
Grega
Foram
os micênios que criaram as primeiras obras gregas, depois que seus
palácios foram destruídos. Houve uma época muito pobre
artisticamente, apenas a cerâmica de Atenas se desenvolveu. Devido
ao contato entre os gregos e os povos orientais, a arte grega
desenvolveu-se com características próprias, como o ritmo, o
equilíbrio, a harmonia, um profundo humanismo e a eterna busca da
perfeição. Seus ideais de beleza foram imitados por romanos,
renascentistas e até hoje influenciam a arte.
Pintura
Os
gregos antigos dedicavam-se mais à arquitetura e à escultura do que
à pintura. Quase toda a pintura grega que chegou aos nossos dias
encontra-se em peças de cerâmica, especialmente vasos. Os gregos
faziam vasos de belas formas e os decoravam com cenas da vida diária
e histórias de seus deuses e heróis.
Artistas
gregos do final do século VI e do século V a.C. pintavam figuras
negras sobre a cerâmica de cor natural vermelha. Este método
tornou-se conhecido como "o estilo da figura negra". Um
pintor chamado Exekias era mestre desse estilo.
A
partir de 530 a.C., aproximadamente, artistas gregos criaram "o
estilo da figura vermelha", o inverso do estilo anterior. Os
artistas pintavam a cerâmica em negro e deixavam aparecer o fundo
vermelho natural nas formas de suas figuras. Os pintores deste
estilo, assim como os escultores gregos desse período, criaram
figuras altamente realistas. Este estilo tornou-se a principal
característica da chamada arte clássica dos gregos e romanos.
Escultura
Os
primeiros escultores gregos fizeram trabalhos simples, mas aprenderam
aos poucos a fazer figuras realistas, estilo que foi copiado até o
fim do século XIX. Houve três períodos na escultura grega: a
escultura arcaica, a clássica e a helenística. Primeiramente os
artistas só sabiam fazer pequenas figuras de argila e bronze. Com os
fenícios e outros povos do Oriente, os gregos aprenderam a fazer
figuras de argila com moldes; neste período arcaico desenvolveram um
estilo rígido. No fim do século VIII a.C., os gregos aprenderam a
fazer estátuas maiores com os egípcios e como trabalhar em pedras
mais duras como o mármore branco. Com o tempo foram se aperfeiçoando
e conseguiram fazer figuras mais vivas. Entalharam muitas figuras de
homens nus, em pé, representavam servidores no templo de um deus;
estas figuras chamavam-se curos.
As
figuras femininas eram chamadas de corês, estavam sempre vestidas,
em posição frontal e com expressão calma. No período clássico,
aprenderam a fazer roupas com pregas, às vezes soltas, às vezes
grudadas no corpo. Faziam esculturas de deuses, que para eles
pareciam muito com os homens. A primeira escultura clássica
importante apareceu no templo de Zeus, em Olímpia. O ponto
culminante desta fase são as esculturas do Partenão em Atenas. Aos
poucos as esculturas das figuras humanas passaram a ser mais fortes e
as femininas já apareciam nuas.
Entre
os escultores estão Lisipo, que fez figuras atléticas, e
Praxíteles, com suas deusas e deuses num estilo suave e harmonioso.
Não podemos deixar de citar a grandiosa Vênus de Milo, de autor
desconhecido. A escultura de retratos começou neste período.
Alexandre, o Grande, com suas conquistas, levou a cultura grega ao
Egito e ao Oriente, depois de sua morte, e seu império foi dividido
em reinos menores. Nestes reinos, as cortes encorajaram escolas de
arte locais e houve então uma mistura de suas idéias com a arte
grega; como resultado surgiu a arte helenística. Uns seguiam o
estilo mais clássico enquanto outros preferiam figuras mais ativas e
dramáticas. Entre as escolas mais famosas desta época destacam-se
as que se localizavam em Rodes, Pérgamo e Alexandria.
Arquitetura
As
construções gregas exibem belos templos, teatros, ginásios
(edificações para a cultura física) e praças (lugar onde os
gregos se encontravam para conversar e filosofar). Desses monumentos,
o que desperta maior interesse são os templos. Construídos sobre
uma base de três degraus, se erguiam colunas que sustentavam a
arquitrave, o friso e a cornija, segundo modelos da ordem dórica
(simples e maciça. O fuste da coluna era monolítico e grosso. O
capitel era uma almofada de pedra. Nascida do sentir do povo grego,
nela se expressa o pensamento. Sendo a mais antiga das ordens
arquitetônicas gregas, a ordem dórica, por sua simplicidade e
severidade, empresta uma idéia de solidez e imponência), ordem
jônica (representava a graça e o feminino).
A
coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente
sobre o estilóbata, mas sobre uma base decorada. O capitel era
formado por duas espirais unidas por duas curvas. A ordem dórica
traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher) e
ordem coríntia (o capitel era formado com folhas de acanto e quatro
espirais simétricas, muito usado no lugar do capitel jônico, de um
modo a variar e enriquecer aquela ordem. Sugere luxo e ostentação).
Arte
Etrusca
Os
etruscos vieram da Ásia Menor e fixaram-se na Itália Central, onde
hoje é Toscana. Sua arte mostra a relação que mantinham com a
Grécia e o Egito. Os etruscos trabalhavam muito bem o bronze,
possuíam avançados processos na confecção de jóias de ouro,
prata e marfim. Também desenvolveram uma louça polida. Sua arte
expressava a realidade cotidiana, um grande conhecimento da natureza
e um culto aos mortos. Suas figuras humanas mostravam vitalidade e
grande detalhamento. O povo etrusco deixou como legado necrópoles
(cemitérios), cidades e sítios arqueológicos de grande beleza. A
arte etrusca exerceu grande influência na cultura romana.
Pintura
A
pintura etrusca se destaca nos afrescos sobre paredes de pedra e
tumbas pintadas. Numa fase inicial, esta arte representava momentos
de festa, num desenho forte com cores brilhantes e uniformes. Depois
passou a ser mais sombria, com cenas de festejos e cortejos fúnebres.
Todas as cenas destes acontecimentos eram reproduzidas em suas
pinturas, onde figuravam vários personagens. Faziam também retratos
de mortos, dando muito destaque para a fisionomia da pessoa.
Escultura
Aprenderam
escultura com os gregos estabelecidos no centro da Itália.
Especializaram-se em bronzes e em trabalhos de terracota que pintavam
em cores vivas. Suas estátuas eram em tamanho real. Os etruscos
também entalhavam numa pedra macia, chamada tufo. Essas obras
incluem animais que eram usados para guardar as sepulturas, e relevos
que decoravam as caixas que continham as cinzas do morto. Gostavam de
esculpir figuras horríveis e retratos, principalmente de
antepassados. Entretanto, os artistas etruscos adotaram aos poucos o
estilo clássico dos gregos.
Arquitetura
Estudos
arqueológicos revelam que a civilização etrusca deixou os
primeiros sinais de sua arquitetura já no século 2 a.C., apesar de
ignorados e diminuídos por milhares de anos, resgatando enfim sua
importância e contribuição na história pré-romana. Os primeiros
assentamentos foram conjuntos de cabanas que evoluíram para
construções retangulares com coberturas e alicerces de pedra,
posteriormente palácios e verdadeiras cidades, já no século 7 a.C.
Os etruscos ocuparam parte do Centro-Norte da Itália e construíram
as primeiras cidades. As escavações realizadas próximas à
Florença, Bolonha, Perugia e Pisa têm apresentado ruínas de
fortificações, oficinas de artesãos e verdadeiras olarias para
produção de tijolos para as construções de palácios e templos.
Foi
também comprovado através das escavações o planejamento urbano,
identificado por traçados de ruas, região de moradores, região
industrial, edifícios públicos e estradas pavimentadas com pedras,
como se fossem trilhos. Essas revelações enaltecem a civilização
etrusca, sua arte e arquitetura monumental, utilizando algumas das
mais antigas terracotas arquitetônicas na Itália.
Arte
Romana
A
arte romana recebeu influência da arte etrusca, que era popular e
retratava a realidade, e da grega, que dava uma grande importância à
beleza. Como tinham grande admiração pela arte grega, os romanos
basearam toda a sua criação nas fontes gregas. Muitos de seus
artistas eram de origem grega e apesar de copiarem muitas coisas,
tinham uma temática diferente, aproximavam-se mais da realidade e
davam muito valor ao traço fisionômico das pessoas. Decoraram vilas
e palácios, faziam pintura de mural e reproduziam efeitos de
profundidade. Destacaram-se na arquitetura.
Pintura
Os
artistas romanos sofreram grande influência dos gregos. Os pintores
romanos davam às figuras de suas obras a mesma aparência natural
encontrada na escultura clássica grega e romana. Os artistas romanos
acentuavam o realismo de seus trabalhos pintando convincentes ilusões
de profundidade, sombreamento e luz refletida. Criar a ilusão de
profundidade é chamado desenhar em perspectiva. Os romanos foram dos
primeiros a desenvolver essa importante técnica.
Alguns
dos melhores exemplos de pintura romana foram encontrados nas ruínas
de Pompéia. A casa de dois irmãos chamados Vettius contém afrescos
pintados meticulosamente, que retratam histórias acerca de Íxion,
herói mítico.
Escultura
A
escultura romana primitiva foi influenciada pelos etruscos e pelos
gregos. Quando os romanos conquistaram a Grécia e os reinos
helenísticos, trouxeram muitas estátuas gregas para Roma e
encorajavam os artistas gregos a trabalharem para os romanos. Os
retratos foram muito importantes na escultura romana, como se
encontram em bustos e personalidades; eram mais realistas que os
gregos, principalmente nas formas do rosto. Os escultores romanos
faziam uma cabeça e aproveitavam o corpo de um deus esculpido por um
grego, copiavam escultoras gregas e faziam suas modificações. Os
romanos eram muito religiosos e muitos de relevos feitos em altares
mostram cerimônias e histórias simbólicas. Eles também se
interessavam muito em mostrar acontecimentos históricos, como se
nota em suas colunas. As decorações nos ataúdes tinham muito do
estilo grego, mas suas idéias sobre a morte eram romanas e mais
tarde cristãs.
Arquitetura
A
arquitetura romana traduz diversas características marcantes. As
construções eram de extrema grandeza material e realismo.
Identificamos essas características através das funções para as
quais foram construídas. São elas:
1)
Religião: Templos
Local
construído para reunião do povo e a prática dos cultos. Não se
sabe muito sobre os templos romanos e o mais conhecido foi chamado de
Panteão, em Roma.
2)
Comércio e civismo: Basílica
Local
construído para as operações comerciais e jurídicas. Sua planta
era grande e retangular, dividida por colunas. Com o advento do
Cristianismo, passou a designar uma igreja com certos privilégios. A
mais conhecida chamava-se Basílica Julia (iniciada no governo de
Julio Cesar).
3)
Higiene: Termas
As
termas eram compostas por piscina, jardins, ginásio. Além de serem
casa de banho, funcionavam como um centro de reuniões sociais e
esportivas de Roma. A mais famosa chamava-se Caracala.
4)
Divertimentos: Circos, Teatros, Anfiteatros, Ginásios
Sofreram
forte influência grega e objetivavam a realização de diversos
eventos. O mais importante era o circo, realizando corridas de
cavalos, lutas, torneios. Podemos visitar as escavações e ruínas
do mais importante circo de Roma, chamado Circus Maximus. Os teatros
ocupavam um espaço de destaque na arquitetura romana com cenários
versáteis, giratórios e substituíveis. O mais célebre chamou-se
Marcellus. Os anfiteatros abrigavam o povo romano para assistir às
lutas de gladiadores, um espetáculo que podia ser apreciado de
qualquer ângulo devido ao estilo da construção. O mais belo
anfiteatro romano chamou-se Coliseu e podemos conferir suas ruínas
no centro de Roma. Uma construção de vários andares, com
capacidade para 40.000 pessoas sentadas e 5000 em pé, toda
ornamentada com esculturas e colunas dóricas, jônicas e coríntias.
5)
Monumentos Decorativos: Arco de Triunfo e Coluna Triunfal
Ressaltamos
também na arquitetura romana os monumentos decorativos como o Arco
de Triunfo, em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos e
Coluna Triunfal, narrando e comemorando feitos históricos. O mais
famoso é o Arco de Tito, todo construído em mármore, no Fórum
Romano e a mais importante é a Coluna de Trajano, com friso em
espiral e narrativas em baixo-relevo.
6)
Moradia: Casa
As
casas romanas eram construídas ao redor de um pátio chamado Atrio.
Arte
Paleocristã
A
arte paleocristã como expressão simples e simbólica, originou-se
dos cristãos, seguidores dos ensinamentos de Jesus Cristo. Surgiu
então a arte cristã primitiva. Com o nascimento de Cristo, uma nova
era ameaçou os romanos, desencadeando a perseguição aos cristãos
e seu "Rei Espiritual" e "Profeta". Esta fase de
perseguição ficou registrada nas catacumbas (cemitérios
subterrâneos) onde os cristãos celebravam seus cultos. Estas
catacumbas se localizam em Roma e as pinturas simbólicas expressam
bem os sentimentos da época. A simbologia das pinturas exibe peixes,
ovelhas, cordeiros que traduzem nossas passagens bíblicas, Jesus, o
Pastor e seus seguidores. Podemos visitar as catacumbas de Santa
Priscila e Santa Domitila, próximas de Roma. A perseguição aos
cristãos levou três séculos até que o Imperador Constantino
reconheceu o Cristianismo, dando início à segunda fase da arte
paleocristã que envolveu a utilização das basílicas cedidas pelos
romanos aos cristãos para suas celebrações. A arte dos mosaicos
utilizada nas basílicas expressava as passagens do Antigo e Novo
Testamento e também apareceram nos mausoléus e sarcófagos usados
pelos cristãos mais ricos.
Pintura
A
pintura paleocristã é bastante escassa e totalmente simbólica.
Restaram alguns afrescos, encontrados nos muros das catacumbas; seus
temas eram sempre baseados no Cristianismo, podiam representar
orações, figuras humanas e de animais, símbolos cristãos e
passagens dos Evangelhos e cenas típicas da vida religiosa da época.
Escultura
A
escultura se destaca mais por seu significado e simbolismo do que
pelas formas e é encontrada nos sarcófagos. Baixos relevos de pouca
qualidade transmitem a espiritualidade. Suas figuras dão ênfase às
cabeças, que seriam para eles o centro da espiritualidade. Existem
poucas estátuas e quase sempre representavam o Bom Pastor. As
decorações dos sarcófagos compreendiam cenas em seqüência,
personagens entre colunas e um medalhão central.
Arquitetura
A
arquitetura paleocristã foi simples e caracterizada pela simbologia
das passagens da Bíblia. Destacamos numa primeira fase catacumbas e
cemitérios subterrâneos em Roma para celebração de cultos
cristãos.
Ainda
hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Domitila e Santa
Priscila. Com a legalização do Cristianismo, surgem as basílicas,
edificações enormes com 3 naves e um portão principal na fachada,
destinadas ao comércio e assuntos judiciais. Com o fim da
perseguição aos cristãos, os romanos cederam algumas basílicas
para os cultos cristãos. As basílicas cristãs foram revestidas com
mosaicos contando passagens do Antigo e Novo Testamento. Os mausoléus
e sarcófagos, utilizados pelos mais ricos, também receberam esse
mesmo material.
Arte
Bizantina
Arte
bizantina é uma expressão artística que teve início a partir do
século VI, fortemente enraizada no mundo helenístico e como
continuação da arte paleocristã. Era uma mistura do luxo e riqueza
oriental com a sobriedade dos romanos. É uma arte religiosa. Seu
centro foi a antiga colônia grega Bizâncio, onde no ano de 330,
Constantino fundou a cidade de Constantinopla, hoje Istambul; foi a
primeira grande arte cristã; se preocupava mais com a sensibilidade
e força primitiva do que com a beleza física. Em seus primeiros
momentos se mostrou conservadora, transmitindo formas artísticas que
influenciaram muito a cultura ocidental medieval. Os períodos de
arte bizantina se ajustaram às grandes fases de sua história
política. Na epoca de Justiniano, se inicia a primeira etapa
especificamente bizantina: a Primeira Idade de Ouro que compreende os
séculos VI e VII, é a etapa de formação da arte bizantina em seus
aspectos básicos. Em torno de 850, teve início a Segunda Idade de
Ouro, que durou até a tomada de Constantinopla pelas cruzadas; nesta
época se consolidam os aspectos formais e espirituais, é verdadeira
arte criadora, definindo a estética bizantina. A terceira Idade do
Ouro se centrou no século XIV e terminou com a tomada de
Constantinopla. Depois, o estilo bizantino floresceu nos países
eslavos, Rússia e sudeste da Europa.
Pintura
A
partir do século IV, os cristãos orientais gradualmente se
separaram dos ocidentais, que se submetiam ao papa. A arte dos
cristãos orientais é chamada bizantina porque a religião tinha seu
centro em Bizâncio. No século V, os artistas bizantinos tinham
criado um estilo particular de pintura religiosa, estilo este que
permaneceu quase inalterado até os dias de hoje. As pinturas
bizantinas apresentam figuras coloridas, mas irreais, que representam
mais figuras religiosas do que pessoas humanas.
Escultura
Os
escultores bizantinos faziam peças muito ligadas a motivos
religiosos, com uma mistura de influências orientais e romanas.
Em
sua primeira fase, dedicavam-se ao baixo relevo em mármore, pedra,
madeira e marfim. Surgiram depois trabalhos ornamentais em capitéis
com motivos vegetais e animais e em sarcófagos. Mas as obras
principais da escultura bizantina são as pequenas peças.
Suas
obras cuidam pouco do semblante, são frontais e formais, os olhos
grandes e olhando para cima, pretendendo transmitir inquietações.
As grandes estátuas são de mármore, as pequenas organizadas em
dípticos portáteis feitos em marfim.
Apesar
de escassas, entre suas obras destacam-se: o díptico Barberine, a
famosa cadeira do Bispo Maximiano, em Ravena esculpida sobre placas
de marfim, no ano 533.
Arquitetura
A
arte bizantina sofreu influências de Roma, Grécia e também do
Oriente. A integração dos elementos culturais desses povos formou o
primeiro estilo de arte cristã, rica em técnica e cor. Nesse
período, a religião regia as artes, e na arquitetura não aconteceu
diferente.
A
arquitetura bizantina foi marcada pelas construções de igrejas,
termas, teatros e palácios ricamente construídos e decorados. As
igrejas receberam mais atenção, elas eram edificações enormes,
planejadas sobre uma base circular, quadrada ou octogonal, com
imensas cúpulas; suas paredes e abóbadas eram revestidas de
mosaicos, confeccionados com técnicas diferentes dos romanos,
exibiam um vidro brilhante e extremo realismo, com as pessoas
representadas de frente e verticalizadas, criando uma espiritualidade
sinistra e utilizando o dourado em demasia para enaltecer o ouro, a
riqueza da terra. Destacamos a Igreja de Santa Sofia, em Istambul,
como o maior monumento da arte e arquitetura bizantina.
Arte
Islâmica
Os
muçulmanos levaram um certo tempo para encontrar sua identidade
artística por serem nômades, terem convivido com diversos povos
conquistados por eles e inevitavelmente absorveram seus estilos.
Entretanto souberam filtrar e escolher esses sentimentos para
transformá-los na identidade própria da arte islâmica. Ela é
conceitual e religiosa. Combina traços ornamentais com escrita,
identificando sempre o religioso e o belo de acordo com os preceitos
muçulmanos. A arte islâmica num primeiro momento parece voltada
para os ricos. No entanto a importância da religião como base para
a organização social e política da vida muçulmana conscientiza
toda a comunidade descaracterizando este preconceito. As pinturas
islâmicas são representadas por afrescos e miniaturas. Enfeitavam
paredes de palácios, mesquitas e prédios públicos. Sofreram
influências helênicas, indianas, bizantinas e chinesas. Usavam o
dourado como fundo. Na arte islâmica aparecem também a técnica dos
mosaicos figurativos e arabescos.
Pintura
A
pintura islâmica é basicamente o embelezamento de livros graças à
caligrafia e às ilustrações. Para aumentar a beleza dos livros,
calígrafos copiavam textos com lindas letras e artistas
acrescentavam ilustrações. Os primitivos artistas islâmicos
decoravam as páginas com desenhos rebuscados, porque sua religião
proibia a reprodução de animais e seres humanos. Só mais tarde
artistas islâmicos, principalmente os que viviam na Pérsia,
começaram a pintar figuras humanas e animais. Além do Corão, livro
sagrado do islamismo, os artistas persas ilustraram coleções de
fábulas, histórias, poemas de amor e obras científicas.
Escultura
A
maior parte da escultura islâmica era feita em metal: ouro, prata e
bronze.
Como
não podiam retratar pessoas, artesãos esculpiam arabescos, figuras
de animais e desenhos geométricos, encontrados esculpidos em seus
frisos. Sua arte era usada somente para decoração. Pouco restou de
sua escultura; é famosa "Os Leões de Alhambra" que se
encontra no Patrimônio Histórico de Alhambra, em Granada na Espanha
e o trono em mármore do Palácio de Gulistan em Teerã.
Arquitetura
A
arquitetura islâmica se preocupou com formas geométricas, como o
quadrado e o cubo. Os palácios e castelos, onde residiam os emires
(governantes), possuíam forma quadrangular, eram cercados de
muralhas, parecendo fortalezas e constituíam uma arquitetura de
segunda classe, o que não ocorria com a arquitetura sagrada. A
exemplo disso temos a Grande Mesquita de Damasco e a Cúpula da Roca,
em Jerusalém.
Fonte:
15 de julho de 2012
Arte no mundo
Para meus queridos alunos do 9o. Ano, com carinho.
Arte
no Mundo
Canadense,
Chinesa, Cubana, Groelandesa, Holandesa, Indiana,
Islandesa,
Jamaicana, Japonesa, Marroquinha, Mexicana, Nigeriana, Neozelandesa,
Panamenha, Peruana, Portuguesa, Russa, Samoana,
Sul-Africana,
Tailandesa, Tanzaniana e Uruguaia
A
expressão artística dos povos através dos tempos está intimamente
ligada à sua história, hábitos e costumes. O resultado desses
elementos demonstra a criatividade e a emoção do ser humano,
transcendendo todas as vivências e expectativas, traduzindo no
momento da criação, o "novo", o mais puro e profundo
sentimento, onde quer que ele esteja.
01)
Arte Canadense
As
manifestações artísticas do Canadá estão fortemente ligadas à
diversidade cultural, especialmente à presença francesa e
britânica. Considera-se que em seu começo a arte canadense era uma
arte transplantada da Europa. Com os anos, seu acervo artístico foi
se adaptando à identidade canadense, mas não abandonou algumas de
suas velhas formas.
Pintura
O
histórico da pintura canadense privilegiou de início, nos séculos
XVIII até meados do século XIX, a arte do retrato, com total
influência francesa. A pintura de paisagem, introduzida também no
século XVIII pelos ingleses, orientou-se para a pitoresca vida dos
camponeses e índios. A influência norte-americana juntou-se à
francesa no final do século XIX.
A
arte canadense, a partir de 1920, sofreu mudanças vibrantes.
Ocorreu, especificamente, uma busca da identidade cultural canadense.
O "Grupo dos Sete" - grupo de pintores de paisagens
canadenses que revolucionou a arte do Canadá - não inventou a
paisagem canadense, mas apresentou-a de forma diferente, com
esplendor e grandeza mais realista. Este grupo recebeu a influência
dos impressionistas e de alguns pintores escandinavos.
Nos
anos 40 e 50, os artistas inspiraram-se no cubismo e surrealismo, o
que suscitou uma tendência à abstração. A partir dos anos 50
fortaleceu-se o abstracionismo geométrico e o realismo. Os artistas
canadenses perceberam uma necessidade de produzir arte própria, com
a realidade que os cercava, e não só com o que haviam assimilado de
outros continentes. A renovação aconteceu nos anos 60, com a
influência da pop art.
Escultura
A
arte indígena canadense marcou o período prévio da influência
francesa. Baseou-se essencialmente na madeira, mas também fez
história com as esculturas em argila.
A
arte nativa apresentou formalismo e ritualismo. Na ausência de
árvores, os esquimós se expressaram com objetos artísticos de
pedra.
As
primeiras esculturas foram feitas na madeira por artesãos franceses
que aportaram no Canadá em 1671. Mais tarde, a escultura
essencialmente religiosa ganhou espaço no século XVIII até meados
do XIX, em Quebec e Montreal, e se desenvolveu após a II Guerra
Mundial com formas pós-cubistas. Nos anos 60, uma série de
movimentos artísticos e culturais mudou o eixo artístico da Europa
para os Estados Unidos. Os escultores dessa fase buscavam ultrapassar
os conceitos tradicionais e os limites da escultura.
Arquitetura
Nos
séculos XVII e XVIII, tanto as construções civis como as
religiosas seguiram os modelos franceses. A partir da metade do
século XVIII e início do século XIX, a arquitetura sofreu
influência britânica, com estilos paladino, neogrego e neogótico.
Em meados do século XIX, a arquitetura vitoriana, caracterizada pela
riqueza e conforto excessivos, dominou o Canadá. As concepções
modernas com influências internacionais surgiram, então, no século
XX.
02)
Arte Chinesa
O
imenso território chinês e o isolamento em que seu povo permaneceu
em épocas remotas foram os responsáveis pela cultura e por uma arte
tipicamente chinesas, como ficou comprovado em objetos achados de
cerâmica pintada ou gravada, com decoração geométrica.
Em
suas diversas dinastias surgiram objetos em pedra, madrepérola e
marfim com várias inscrições. A arte do bronze e a escultura em
jade também tiveram grandes destaques.
A
pintura sempre teve um papel importante na arte chinesa, devido à
delicadeza e detalhamento dos traços, principalmente em seda, onde
correções são impossíveis. O pintor chinês deve primeiramente
formular sua obra em pensamento para depois então executá-la. A
arte chinesa se caracteriza pelo simbolismo, e embora assimétrica,
mostra um grande equilíbrio.
Pintura
Há
mais de dois mil anos, a pintura tornou-se uma forma de arte na
China. O período entre 960 a 1279, da dinastia Sung, é considerado
como o clássico da pintura chinesa e que influenciou toda a pintura
posterior. Seus pintores aprendiam, copiando a arte dos mestres. Três
temas dominam sua pintura: animais e flores, figuras humanas e
paisagens do campo, montanhas e mares. A pintura chinesa também se
relaciona bastante com a caligrafia. Seus artistas, assim como os
calígrafos, usavam tinta negra capaz de produzir diferentes tons e
um pincel para fazer diversos tipos de linhas.
A
maior parte das pinturas que resistiram ao tempo foi feita em seda ou
papel absorvente; algumas eram feitas em rolos, umas para serem
colocadas em álbuns e algumas para serem montadas em leques. Os
pintores pintavam paisagens em enormes rolos, o observador deveria
abrir vagarosamente e enrolando a cena já vista; somente uma pequena
parte da pintura poderia ser vista de cada vez. Estes rolos manuais
são uma forma de arte tipicamente chinesa. Artistas pintavam tanto
pessoas reais como imaginárias, cenas que contavam histórias ou
mostravam fatos históricos.
Hsia
Kuei e Ma Yüan foram artistas que criaram um estilo de paisagem que
influenciou tanto a pintura chinesa como a japonesa. O estilo
Ma-Hsia, como é conhecido, é a modalidade de pintura mais familiar
aos povos do Ocidente.
Escultura
As
primeiras esculturas chinesas foram pequenas figuras que eram
colocadas em túmulos. Mais tarde surgiram sinos de bronze e outros
objetos de metal juntamente com trabalhos de cerâmica e jade. Todas
estas figuras eram usadas no culto de antepassados. Escultores faziam
buracos em objetos arredondados para sugerir relações de espaço,
para que houvesse um jogo de luz nas superfícies irregulares,
criando um efeito de movimento.
Quando
a influência da arte indiana chegou à China, seus escultores
começaram a entalhar figuras gigantescas de Buda em madeira e pedra.
Os artesãos chineses eram muito habilidosos, pacientes e deram ao
rosto de suas figuras um aspecto de felicidade e tranqüilidade.
Introduziram elementos decorativos como cordões de pérolas e jóias.
Artistas chineses fizeram também esculturas decorativas sem temática
religiosa, em jade e cerâmica, com ênfase em linhas puras e
acabamento polido.
Arquitetura
Entre
os séculos XV a.C. e III d.C., os chineses construíram templos e
palácios de madeira. Ao longo de toda a história da China, a
madeira sempre foi um dos materiais preferidos dos chineses, que
desenvolveram uma técnica de aplicar verniz sobre sua superfície
para conservá-la. O verniz aplicado em cores fortes e brilhantes é
uma característica da tradicional da arquitetura chinesa.
Seus
templos, monastérios e palácios seguem princípios básicos, um
pátio espaçoso leva a um salão de teto alto, gracioso e curvo.
Monastério em Bangkok
As
casas chinesas, em sua maioria, são construídas em torno de pátios
internos. O estilo chinês mistura formas retangulares de vários
tamanhos. Para se prevenir da umidade, suas construções são feitas
sobre uma plataforma. Seus murais coloridos retratam dragões, mitos,
pinturas de paisagens, flores e pássaros.
Construções
semelhantes a torres, chamadas pagodes, são monumentos religiosos e
muito comuns na China.
03)
Arte Cubana
A
arte cubana de um modo geral tem uma riqueza singular e vem traçando
uma linha crescente de desenvolvimento. Com um passado de extrema
pobreza e abandono, os cubanos foram influenciados pelos artistas
estrangeiros, principalmente os espanhóis. A ilha começou a
prosperar com as frotas que circulavam para a Europa levando tesouros
dos países arredores. A partir de meados do século XIX, os artistas
cubanos iniciaram o processo de formação e criação da arte
nacional. Primeiramente, os desenhos com temas religiosos, paisagens
e costumes locais apareceram. Depois, as xilografias de marcas de
cigarro e charutos surgiram também. Enfim, com o desenvolvimento da
ilha, a atividade artística foi concebida.
Pintura
O
histórico da pintura em Cuba apresenta um cenário primeiramente de
muita simplicidade, com pinturas rupestres dos nativos, e num segundo
momento, na fase colonial, de forte influência européia. É
imprescindível ressaltar que nesta fase, a realização de pinturas
murais no interior e exterior das casas coloniais foi um marco da
tradição artística cubana. Durante o período colonial, a arte
cubana sofreu fortes influências dos espanhóis primeiramente e
depois dos franceses que aportaram na ilha.
Verdadeiramente,
as primeiras importantes manifestações artísticas cubanas datam do
século XVIII e sobretudo do século XIX. Com o desenvolvimento
econômico surgiram as bibliotecas, universidades e por conseqüência
a apreciação e prosperidade artística.
A
origem da pintura cubana em sua essência refletiu inicialmente
valores religiosos e místicos antes de revelar o popular e
aristocrático. Apareceram os primeiros pintores retratistas. O
primeiro pintor cubano reconhecido foi José Nicolás de la Escalera
y Domínguez (1734-1804), que pintou os murais da Igreja Santa Maria
do Rosário. Surgiu também o importante pintor condecorado pelo
reino de Espanha, Vicente Escobar (1762-1834), que ainda seguindo a
influência espanhola pintou temas religiosos e retratos.
Com
a construção da Catedral de Havana, iniciou uma nova fase de
influência européia na pintura cubana, a tendência italiana.
Nasceu então a Associação de Pintores e Escultores cubanos com o
propósito de proteger a arte nacional das influências e pressões
estrangeiras. Passaram a realizar anualmente o Salão de Belas Artes,
em Havana. Nos anos 20 surgiu um novo movimento cultural renovador
que fundou mais tarde, em 1937, o Estúdio Livre de Pintura e
Escultura, celebrando a nova arte com o I Salão de Arte Moderna. As
novas formas de expressão desse movimento antecederam a pintura de
vanguarda cubana. O movimento vanguardista tinha como objetivo
transformar a sociedade através da arte.
Escultura
A
tradição cubana de esculpir vem desde os tempos remotos, quando os
nativos faziam seus próprios objetos. No período da colonização
cubana, a arte não teve grande desenvolvimento e as esculturas eram
feitas para presentear reis e monarcas.
Documentos
históricos do século XVII demonstram, porém, que a ilha
manifestava o interesse artístico, e surgiu então o precursor da
escultura cubana, Jerónimo Martínez Pinzón, que deixou sua marca
com a obra La Giraldilla , esculpida em 1632, obra original exposta
no Museu da Cidade, em Havana (diversas réplicas se espalham pela
cidade como um dos seus símbolos artísticos).
Nos
primeiros anos do século 20, a escultura de cabeças e faces tomou
ênfase e os corpos vinham produzidos em série da Europa, mais
especificamente da França e Itália.
Nos
anos 30 começaram a acontecer as primeiras exposições com
esculturas de pequeno e médio porte.
Mas
foi nos anos 40, 50 e 60 que essa arte deslanchou. O florescimento da
escultura cubana veio mesmo com o triunfo da Revolução de 1959.
Foram realizados concursos para a confecção de esculturas e
monumentos comemorativos. Nesse período, as primeiras escolas de
arte foram fundadas, assim como o processo de criação artística
sofreu grandes transformações, surgindo então o primeiro espaço
artístico específico para os escultores.
Atualmente,
a escultura cubana tem vários espaços importantes, realizando
diversas mostras e eventos culturais de arte como a famosa Bienal de
Havana.
Arquitetura
A
arquitetura cubana tem o maior conjunto de prédios coloniais
preservados em toda a América. Com casarões, palacetes e igrejas
com fachadas em estilo pré-barroco, barroco,neoclássico, art
nouveau e art decó.
Algumas
partes das ruas de Havana exibem edificações restauradas, o que nos
faz compreender um pouco da vida cubana e dos vários períodos e
influências culturais. Na atualidade, diversos complexos
arquitetônicos modernos abrigam centros empresariais que resultam da
abertura ao turismo e do desenvolvimento e interesse estrangeiro na
ilha.
04)
Arte Groenlandesa
Pintura
A
arte visual da Groenlândia, apesar de sua curta história, tem uma
significante contribuição na cultura do país. Tudo começou com a
obra artística de Aaron de Kangeq, no meio do século 19. A partir
daí diversos artistas influenciados por ele desenvolveram outras
formas de expressão das paisagens locais e da cultura popular.
Também por volta de 1940, artistas estrangeiros foram atraídos pela
beleza e paisagem diferenciada da Groenlândia. Este misto de
criatividade tem trazido novas técnicas e formas que enriquecem
gradativamente a pintura groenlandesa.
Escultura
Tupilak
é o deus inuit responsável pelo misticismo e toda a parte oculta ou
desconhecida do universo. A essência da arte inuit é
verdadeiramente ilustrada através dos tupilaks, que, segundo a
tradição, são esculturas feitas pelos inuits da zona costeira da
Groenlândia e significam "fantasmas nocivos" no dialeto
deles. O tupilak é uma pequena escultura de marfim ou pedra sabão,
um amuleto, que originalmente absorve os maus e bons sentimentos do
artista que o produz. Quando pronto, o escultor atira o tupilak ao
mar ou riacho para afastar de si a raiva, a hostilidade e os
inimigos, libertando também a sua família de toda agressividade e
ódio. Os primeiros tupilaks foram esculpidos por volta de 1880,
primeiramente em madeira e depois em osso de animal, pedra sabão e
marfim.
Porém,
as belas esculturas despertaram nas autoridades locais e nas
organizações turísticas muito interesse, sendo recolhidas e se
transformando portanto num produto cobiçado pelos turistas e
colecionadores de arte. Os tupilaks hoje são esculturas preciosas e
têm sido fonte de inspiração para diversos artistas dessa ilha
gelada.
Arquitetura
Há
quatro milênios aproximadamente o povo da Groenlândia vivia de
maneira bem simples, em tendas cobertas por peles de focas, cabanas
construídas com madeira ou em grutas cavadas nas rochas. Eram
residências temporárias, pois os inuits habitavam-nas enquanto
caçavam.
De
1721 até a II Guerra Mundial, iniciou-se uma nova fase de
desenvolvimento da arquitetura da ilha usando madeira importada da
Europa. Atualmente muitas casas seguem esse estilo tradicional,
utilizando pinturas de cores vivas, tais como vermelho, amarelo, azul
e verde.
A
partir de 1950, além das casas coloridas localizadas nas vilas
costeiras, foram construídos grandes blocos de apartamentos modernos
colaborando com o desenvolvimento comercial e pesqueiro. As cidades
grandes e modernas foram se formando e o estilo colonial "antigo"
se misturando ao moderno gradativamente.
Nos
anos 80 novas construções autorizadas pelo governo local foram
sendo erguidas nestas grandes cidades, adaptando-se ao estilo
colonial colorido
Um
enorme e moderno centro cultural, Nuuk Cultural Center, foi
construído abrigando espaços para conferências, galerias de arte,
cafés, escolas de arte e o NAPA Nordic Institute.
05)
Arte Holandesa
O
século XVII foi a época áurea da arte holandesa, principalmente na
pintura, quando surgiram alguns dos maiores pintores do mundo. A
arquitetura mostra todo seu esplendor em suas numerosas igrejas e
torres. A literatura é pouco conhecida, pois poucas obras foram
traduzidas, como também poucos são os compositores de renome.
Entretanto, possui excelentes orquestras sinfônicas.
A
Holanda mostra os contrastes que existem em sua arte, influenciadas
pelo modernismo e apegada às suas obras mais antigas.
Pintura
No
fim do século XVII, a Holanda tinha se tornado uma das maiores
potências comerciais do mundo, o país crescia e os holandeses
passaram a se interessar por arte. Como eram protestantes, não
apreciavam muito os temas religiosos, como os países católicos, mas
eram ricos e podiam comprar este tipo de arte. Apreciavam qualquer
tema que lhes recordasse o seu modo de vida. Os pintores holandeses
criaram um estilo característico durante o período barroco.
Muitos
artistas holandeses especializaram-se em determinados temas, como
cenas do lar ou das tabernas. A pintura que trata destes assuntos do
cotidiano é chamada "pintura de gênero".
Entre
seus pintores destacam-se: Rembrandt, Frans Hals, Jan Vermmer, Jan
Steen, Hendrik Willem Mesdag, Piet Mondrian e Van Gogh.
Escultura
Assim
como a pintura, a escultura holandesa teve seu apogeu no século
XVII, se manteve dentro da corrente maneirista; o estilo barroco foi
introduzido por escultores belgas. Um dos mais importantes escultores
desta época foi Hendrick de Keyser.
Entretanto,
a escultura holandesa não se compara em importância com a pintura,
e também não surgiram escultores de renome.
Arquitetura
A
arquitetura holandesa soube integrar e adaptar as tendências
internacionais às características de suas cidades, para planejá-las
como aparecem atualmente.
O
velho e o novo existem numa perfeita harmonia, misturando diferentes
estilos e épocas. Em alguns lugares ainda se encontram construções
do tempo medieval com velhas fábricas, igreja com um relógio de sol
e moinhos.
Destacam-se
Pieter Post e Jacob van Campen.
06)
Arte Indiana
A
arte indiana é simples, simbólica e mística.
Em
suas ruínas, que datam da pré-história, foram encontrados selos e
talismãs representando animais, numa concepção bem realista de
arte.
A
função da arte indiana é representar o divino em imagens, para que
o povo possa venerar seus deuses. Com o Budismo tornando-se religião
dominante na Índia, foram esculpidas estátuas colossais de pedra.
Em
seguida a escultura, usando o baixo e alto relevo, passou a
representar a vida e ações de Buda; no período que veio a seguir
sua figura tomou o aspecto mais humano e belo. Uma das épocas mais
notáveis da civilização indiana é o período da dinastia Gupta,
quando as artes e as letras atingiram um grande desenvolvimento.
Em
pintura, a obra prima deste período são os afrescos nas cavernas de
Ajanta; quanto à escultura, destaca-se "Bodhisattava
Avalokitesvara".
No
período medieval é ainda a escultura a arte que mais se destaca na
Índia, e as figuras parecem que possuem movimentos. Com a dominação
dos marajás muçulmanos na maior parte da Índia, o que mais se
desenvolveu foi a arquitetura com a construção de palácios e
mesquitas (templos dos mulçumanos), com enormes dimensões e belos
ornamentos.
Escultura
Do
século VI a.C. ao século VI d.C, a escultura indiana mostra a
influência da religião budista. Algumas das mais lindas esculturas
budistas decoram portões e grades que cercam templos, que foram
construídos para guardar relíquias de Buda.
As
esculturas eram relevos entalhados que reproduziam a vida e os
ensinamentos de Buda.
Os
primeiros relevos eram simples linhas gravadas numa superfície
plana, não tinham profundidade. Mais tarde, os escultores indianos
foram influenciados pela arte romana e foram produzidos então,
relevos mais arredondados e com mais profundidade; algumas vezes os
entalhes eram tão profundos que até parecia uma escultura plena.
Na
Índia Medieval, o hinduismo (religião atual da maioria dos povos da
Índia) passou a influenciar a escultura, aparecendo figuras em
bronze.
Arquitetura
A
arquitetura indiana começou a se definir quando a religião budista
tornou-se oficial, no século III a.C. e foi responsável pelo seu
desenvolvimento, acrescentando características desconhecidas ate
então.
Surgiram
três tipos de edifícios: os templos, os monastérios e as estupas.
Os
templos podiam ser escavados nas rochas, como o templo de Ajanta.
As
estupas eram construções livres feitas de pedra e tijolo e eram
usadas para guardar relíquias sagradas.
A
arquitetura da Índia sofreu influência de outras religiões que
chegaram ao país, como o hinduismo e o islamismo.
Os
templos hinduístas apresentam fileiras de colunas esculpidas e tetos
com abóbadas ricas em entalhes; estas construções foram feitas do
século VII ao século XIX.
Quando
os muçulmanos conquistaram a Índia no século XVI, introduziram
novas formas de arquitetura, surgiram as mesquitas, com suas cúpulas
altas e seus minaretes) que são torres elevadas. A mais famosa
construção islâmica na Índia é o Taj Mahal, encomendado pelo
marajá Shah Jahan, em memória de sua mulher favorita.
Pata-Chitras
Pata-chitras
são pinturas folclóricas religiosas comuns no estado de Orissa no
nordeste da Índia. Exibem uma linha forte e uma cor brilhante, que
são os dois aspectos principais desta pintura.
Os
artistas que pintam pata-chitras são chamados de chitrakaras.
Algumas vezes uma família inteira está engajada neste tipo de
pintura, sob a supervisão do mestre de pintura da família. Vivem
normalmente perto dos templos, como o famoso templo Jagannath e seus
trabalhos são geralmente vendidos a peregrinos que vêm visitar os
templos.
O
termo pata-chitra é composto de duas palavras do sânscrito. Pata
significa tecido ou tecido com uma pintura. O termo é usado em
outros lugares da Índia, significando pintura folclórica. A outra
palavra chitra, significa pintura, retrato ou ilustração; assim
pata-chitra significa pintura em tecido.
Em
sua preparação são usados dois pedaços de tecido, de 4 por 2
metros. Um pedaço é estendido num chão macio e uma camada de goma
de tamarindo (preparada com as sementes da planta) é espalhada sobre
ele. Coloca-se então o outro pedaço de tecido sobre o primeiro, e
pressiona-se outra camada da goma sobre a superfície, que deverá
ser pintada. O tecido é exposto ao sol para secar e, quando seco, é
aplicada uma pasta de pó de giz e novamente a goma. Deixa-se secar e
aplica-se do outro lado; depois os dois lados devem ser polidos com
pedra até ficarem bem macios.
As
principais cores usadas nas pinturas são: branco, preto, vermelho,
amarelo, azul e ocre. As cores são usadas em pó e diluídas em um
pouco d'água até formar uma pasta; são então misturadas a uma
goma ou resina de uma planta chamada kaintha. Os pincéis são feitos
de fibras de plantas ou pêlo de animais.
A
pintura é feita em etapas: primeiro a borda, depois as linhas
exteriores das figuras em branco, depois o fundo, geralmente com
árvores, e finalmente o interior das figuras sempre usando cores
diferentes. Finalmente, é passada uma camada de laca para proteger a
pintura.
Várias
pessoas podem pintar a mesma pata-chitra; cada um executa uma etapa.
Sombras e perspectivas não são usadas neste tipo de pintura.
Os
temas de pata-chitras compreendem seis categorias:
1)
pinturas do deus Jagannath;
2)
episódios épicos;
3)
temas folclóricos;
4)
rituais das habilidades de vários deuses e deusas;
5)
pássaros e animais e
6)
temas eróticos.
07)
Arte Islandesa
Pintura
A
pintura islandesa deslanchou no período de 1900 a 1930, apresentando
seus artistas pioneiros, renomados e desconhecidos, com suas
primeiras exposições na terra natal e ao redor do mundo. A pintura
de paisagens foi o primeiro objeto desses pintores e suas
apresentações, e foi marcada por um sentimento naturalista. O ponto
alto do desenvolvimento da pintura islandesa foi demonstrar as
variações possíveis dela num tempo em que o tema paisagem
prevalecia.
O
grande expoente da pintura paisagista foi Johannes Kjarval. Na
pinturaexpressionista, com traços e cores fortes e até mesmo
agressivos, destacou-seSvavar Gudnasson.
O
que se sabe é que a pintura realmente ganhou espaço no cenário
internacional nos últimos 100 anos.
Escultura
O
desenvolvimento da arte das esculturas na Islândia, assim como a
pintura, aconteceu durante o século XX.
Logo
foi percebida sua importância, a tradição e a beleza no contexto
das artes e no cotidiano do país.
Os
grandes escultores surgiram nesse período e um dos pioneiros foi
Ásmundur Sveinsson. A cidade de Reykjavik passou a exibir a primeira
escultura de rua em 1928, e a partir daí os memoriais e estátuas
fizeram parte do visual urbano, ocupando espaços públicos.
Arquitetura
O
desenvolvimento da arquitetura da Islândiavem caminhando desde as
construções dos tempos vikings, com a vida nas fazendas até seu
desempenho no século passado, com o movimento da arquitetura moderna
e o uso do concreto. São estilos que evoluíram a novas formas. Dos
tempos vikings, as pessoas moravam geralmente em grandes casarões
comunitários nas fazendas. Geralmente, esses casarões eram
habitados pelas famílias.
A
arquitetura variava de acordo com a região ocupada, ou seja,
dependendo do frio e dos recursos naturais disponíveis, as casas e
outras construções eram feitas com um ou outro tipo de madeira.
Aliás, a madeira era a principal matéria prima para as construções
Vikings (o que dificultou as chances de achados arqueológicos, pois
a madeira se decompõe), por ser abundante na Islândia.
Na
atualidade o que se pode perceber é a notável arquitetura islandesa
do concreto e a preocupação do Estado com o movimento moderno
arquitetônico e seus profissionais.
08)
Arte Jamaicana
A
arte na Jamaica remonta aos tempos pré-colombianos, quando índios
fizeram desenhos nas paredes e tetos de suas cavernas.
Apesar
da arte jamaicana estar muito enraizada à cultura africana, durante
todo o período colonial, os artistas permaneceram fiéis a uma
cultura britânica, quando muito poucos artistas produziam para uma
minoria.
A
partir de 1922, quando a escultora Edna Manley chegou à Jamaica,
teve início um período de reconhecimento de valores culturais do
país, com libertação de regras estéticas européias e
encorajamento de artistas locais que procuraram inspiração em suas
raízes históricas. Após a independência jamaicana em 1962, a arte
tornou-se bastante dinamizada, expressando uma crescente consciência
africana.
A
maior parte da arte da Jamaica é inspirada na forma humana, com
fortes elementos de identidade racial. Paisagens, conceitos sociais e
abstratos são também temas populares que refletem a fusão de
vários povos com a população nativa jamaicana. A arte jamaicana é
uma rica mistura de fontes e estilos, formando um interminável e
fascinante caleidoscópio cultural.
Pintura
A
arte na Jamaica teve sua origem nos séculos XVIII e XIX, quando
artistas, passeando pelas plantações, recordavam a vida romântica
da Europa e pintavam suas telas, sem se preocupar com a tradição
africana do povo.
Alguns
artistas pintaram telas que retratavam a falsidade e a selvageria da
vida nas plantações.
Na
década de 1920, artistas da chamada Jamaica School começaram a
exprimir seus próprios sentimentos baseados na realidade da vida do
país. Nesta escola havia dois grupos principais: pintores que
estudaram fora do país e voltaram à ilha inspirados por novas
idéias e pelo espírito nacionalista e os autodidatas.
No
estilo popular, são conhecidas pinturas em murais com temas
políticos; são grandes pinturas em cores fortes; outras são
alegres, colocando cores e humor em acontecimentos depressivos. Os
rastafaris são temas comuns, assim como animais, símbolos
religiosos misturados com o misticismo africano.
Entre
os autodidatas destacam-se Kapo Reynolds e Albert Artwell e, entre os
estrangeiros mais conhecidos, que hoje moram na Jamaica, encontra-se
o inglêsGraham Davis.
Escultura
A
escultura em madeira é uma tradição muito forte na Jamaica.
Nascida da cultura tribal da África e temperada pela influência
européia.
A
mais famosa escultora jamaicana é sem dúvida Edna Manley,
considerada a matriarca da arte na Jamaica. Seus trabalhos em
madeira, metal e pedra estão expostos na National Gallery em
Kigston. Juntam-se a ela centenas de escultores autodidatas que
esculpem em madeira.
Arquitetura
A
maioria das grandes casas da época colonial, igrejas e os prédios
do governo construídos de arenito e pedras de calcário ainda
existem, assim como as casas antigas de ricos comerciantes.
As
pedras são fixas, cimentadas e engessadas com o limo produzido pelas
cascas das conchas queimadas. Sendo grossas, estas paredes maciças
se tornam reguladoras da temperatura, mantendo o prédio
relativamente fresco com a ajuda de grandes janelas e portas de
entrada.
Muitas
casas de madeira ainda existem, por possuírem lindas ornamentações
em relevo de gregas, no mais verdadeiro estilo caribenho.
09)
Arte Japonesa
A
principal característica da arte japonesa é uma mistura de harmonia
e serenidade, tendo se desenvolvido e sofrido modificações através
de vários períodos. Na época pré-budista, as principais formas de
arte eram figuras feitas em argila; com a introdução da religião
budista no país, os japoneses sofreram grande influência da arte
coreana e chinesa, mas souberam dar o seu toque pessoal e gracioso na
arte deste período.
A
escultura adquire grande destaque e se torna realista, retrata
indivíduos e máscaras grotescas. Com a chegada de seitas
religiosas, a pintura e a escultura ficam fortalecidas e adquirem
elegância e refinamento; surgiram ilustrações de poemas e contos
feitas em rolos. Com a introdução no país do Budismo Zen, de
origem chinesa, a arte passa a apresentar as características desta
seita: refinamento e também solidez e simplicidade. A cerâmica
desenvolveu-se criando recipientes belos e úteis para o ritual do
chá.
A
arte tornou- se então brilhante e os artistas passaram a dar
importância aos acontecimentos da vida cotidiana. Gravuras sobre
madeiras influenciaram a arte européia.
A
partir do início do século XX, a arte japonesa sofreu grande
influência do mundo ocidental.
Pintura
A
pintura japonesa foi influenciada de início, diretamente pela
escrita: a boa caligrafia de ideogramas tem até hoje, o valor de um
bom desenho. A escrita ideográfica japonesa teve origem na China; ao
invés de letras, ela utiliza símbolos que representam coisas e
idéias. São milhares de símbolos, de difícil memorização mas,
apesar desta complexidade, quase não existia analfabetismo no Japão,
desde o fim do século XlX, devido ao "alfabeto"
simplificado: 300 símbolos aproximadamente.
Começou
como uma expressão do budismo; eram pinturas bastante coloridas que
tratavam de temas religiosos. Do século XII ao XIV, a pintura se
desenvolveu em rolos de papel ou seda e representava relatos de
aventuras, de história e fatos engraçados do cotidiano.
No
século XIV, surgiu um novo estilo: a aquarela e os rolos pendurados
passaram a ser a forma de quadros favorita. No século XVII, surgiu
uma nova classe social, composta de comerciantes e banqueiros, que
apoiava os artistas que retratavam a alegria e a beleza da vida
japonesa. Houve uma grande demanda de quadros, o que levou à
impressão de gravuras.
Escultura
Os
povos pré-históricos do Japão faziam imagens de argila para serem
usadas em esculturas funerárias e pareciam com outros trabalhos
semelhantes aos da China.
Durante
a época medieval, os escultores deram uma elasticidade à arte de
entalhar, retratavam aspectos psicológicos através de expressões
faciais e corporais das figuras esculpidas. Preferiam madeira
entalhada com colorido dourado, simplificavam a estrutura e davam
ênfase a linhas simples.
Arquitetura
Os
japoneses assim como os chineses preferem a madeira como material de
construção.
O
desenho de suas casas permaneceu inalterado por centenas de anos, são
térreas, situam-se no meio de jardins rodeados por cerca de bambu,
com painéis corrediços de papel separando os cômodos que são
arejados; seus telhados são inclinados e esteiras de palha cobrem
seus pisos de madeira.
Apesar
da forte influência chinesa, a arquitetura do Japão adiciona seus
próprios elementos, geralmente com casas construídas acima do solo,
que são sustentadas por pilares, feitas de madeira aparente e
telhado de sapé.
O
palácio de Katsura, construído no séc. XVII, é um dos mais belos
exemplos da arquitetura japonesa.
Uma
das formas de arquitetura que permanece até hoje é do santuário. É
uma construção simples de cipreste japonês, onde se mistura a
natureza e a construção, neste caso se encontra o santuário de Ise
Jingu.
Com
o intercâmbio entre japoneses e europeus a partir do século XVI, a
arquitetura japonesa sofreu influências do ocidente, e atualmente é
muito forte a influência norte-americana. Hoje, apesar de sua
arquitetura ser bem ousada, mostra sempre algum ponto que a ligue a
sua cultura tradicional.
Gravura
A
maioria dessas pinturas era feita em blocos de madeira, xilografia
(arte de reproduzir imagens e textos por meio de pranchas de madeira
gravadas em relevo).
Primeiramente
em preto e branco, depois entraram outras cores e os artistas
começaram a retratar heróis do palco, mulheres famosas por sua
beleza, personagens históricos e lendários. Tornou-se uma forma de
arte muito popular, pois permitia uma produção em massa. Até hoje
é uma forma de arte das mais apreciadas.
10)
Arte Marroquina
A
arte de Marrocos, país situado a noroeste do continente africano, é
uma fusão de influências recebidas por várias civilizações
antigas e, mesmo possuindo diversos contrastes, tem característica
própria: uma arte abstrata, com profundo respeito à natureza e
crença de que todas as plantas, animais e até objetos possuem um
espírito. Para o povo de Marrocos, muitas de suas peças são
valiosas, não só por sua aparência, mas por conter o poder
conhecido como baraka, um conceito profundo da crença religiosa dos
marroquinos e importante para o entendimento de todas as tradições
artísticas do Marrocos. Baraka tem muitos significados, mas é
principalmente o poder positivo de todos os santos e a força
inspiradora entre os artesãos de Marrocos. Este poder, segundo o
povo marroquino, é introduzido em todas as coisas, como jóias,
talismãs, cerâmicas, tecidos e também em plantas como a hena e o
baraka, protegendo o artista que o executa e também quem o usa.
Pintura
Nas
pinturas de cavernas pré-históricas do norte da África, vê-se
desenhos que refletem sua vida diária como caçadores. As imagens
feitas pelos primeiros berberes mostram aspectos de sua vida rural
ligados à natureza e à agricultura. Assim, plantar, colher,
reverenciar o sol, a lua e as estrelas está estreitamente ligado ao
simbolismo deste povo, cuja tradição carregam até hoje. Estes
símbolos, desde aquela época até os dias atuais, não servem só
para decoração, mas também para protegê-los da força do demônio
e dos maus espíritos. Os marroquinos usam muito a hena, não só
como adorno corporal, mas também para decorar objetos. Os desenhos
dos berberes incluem números mágicos, versos, figuras geométricas
e também motivos que representam plantas, flores, pessoas, olhos e
mãos.
Arquitetura
A
arquitetura em Marrocos é basicamente islâmica. Arcos com forma de
ferraduras de cavalos, jardins dos pátios no centro das casas e
paredes externas com elaboradas decorações são algumas das
características desta arte. Outros aspectos da arquitetura
tradicional da cidade refletem os períodos de turbulência pelos
quais passou o país, mostrando palácios fortificados e fortalezas
no deserto. Nas cidades de Rabat e Casablanca existem prédios
modernos com estilo europeu, mas alguns possuem características
próprias do país.
11)
Arte Mexicana
As
artes são muito importantes no México desde a época das antigas
civilizações indígenas. Os maias construíram belos templos com
pinturas murais, os astecas compunham música e faziam poesias. Com a
colonização espanhola aprenderam o amor pela literatura e pelas
construções, ergueram também magníficas igrejas.
Pintura
Os
pintores maias no período pré-colombiano representavam as cenas do
cotidiano em vasos de cerâmica e nas paredes dos templos, suas cores
vivas e a completa ausência de sombra ou perspectiva criavam um
efeito extremamente decorativo. A pintura mexicana atingiu seu ponto
máximo nas décadas de 20 e 30, quando vários artistas pintaram
temas que enfatizavam sentimentos nacionalistas.
Os
artistas mexicanos produziram obras que combinavam as técnicas do
expressionismo com temas nacionalistas e por vezes revolucionários.
Seus pintores procuravam criar obras autenticamente mexicanas, muitas
delas retratam heróis e a história do México. Estas pinturas eram
muito procuradas para decorar edifícios públicos, por isso muitos
artistas mexicanos dedicaram-se a pintar enormes murais.
Durante
a década de 1960, pintores jovens abandonaram os temas
revolucionários e seguiram as últimas tendências da arte, vindas
de outros países, dando à pintura do México um caráter universal.
Entre os pintores mexicanos destacam-se: Diego Rivera, Rufino Tamayo,
Frida Khalo, Arturo Garcia Bustos,Francisco Toledo e Jose Clemente
Orozco.
Escultura
A
primeira civilização pré-colombiana, a olmeca, floresceu de cerca
de 1200 a.C. a cerca de 100 a.C., no sul do golfo do México.
A
escultura olmeca consistia originalmente de colossais cabeças de
pedra, relevos cortados na rocha, seixos rolados entalhados, altares,
lajes de pedra gigantescas, chamadas estelas e estatuetas de argila e
de jade.
Um
tema freqüente era uma figura metade jaguar, metade criança que
muitos estudiosos identificam como o deus da chuva. Este tipo de
escultura era monumental no tamanho, porém pobre em estilo, mas dava
ênfase a um vestuário ornamentado e a arranjos complexos de
figuras.
A
escultura dos maias estava intimamente ligada a religião e devia
mostrar todas as características dos deuses sob a forma de símbolos
religiosos.
Na
escultura asteca, encontram-se imagens dos deuses em pedra, com forma
monstruosa e relevos com desenhos simbólicos que eram colocados em
templos e praças. A mais famosa escultura asteca é a Pedra do Sol,
que em seu centro mostra a imagem do deus sol, são também
apresentados os dias da semana do calendário asteca e versões
historia mundial, além de mitos e profecias. Esculpiam jóias finas
em jade.
Arquitetura
A
civilização mexicana sempre mostrou habilidade arquitetônica em
trabalhar com a pedra.
Com
os maias e os astecas foram construídas enormes pirâmides que
terminavam em pequenos templos.
Uma
das mais impressionantes pirâmides maias é a que está localizada
na floresta de Chichen Itza, erguendo-se a 23 metros de altura.
Na
época colonial foram construídos inúmeros templos e catedrais
sempre promovidas pela Igreja Católica que contava com a mão de
obra indígena. Mais tarde usaram o estilo barroco, mas com aparência
própria.
No
século XVIII, deixaram de lado o estilo europeu e criaram deu
próprio estilo, que ficou mais carregado e sem elementos
decorativos. No século seguinte voltou a influência européia com o
estilo neoclássico.
Atualmente
a arquitetura mexicana apresenta obras modernas e contemporâneas.
12)
Arte Nigeriana
As
artes da Nigéria são tão variadas quanto os grupos étnicos no
país. A cultura nigeriana é rica em tradições e rituais, dança,
música, moda e artes cênicas. O aspecto mais marcante da herança
cultural nigeriana está no vestuário. As roupas podem ser longas,
com panos amarrados pelo corpo, camisetas por cima e lenços na
cabeça de vários tamanhos, formas e cores.
Pintura
Na
pintura nigeriana, a presença da figura humana identifica a
preocupação com os valores religiosos, étnicos e morais.
Enfoca
também a paisagem local.
A
arte contemporânea nigeriana apresenta suas características, com um
enfoque mais livre, porém não abandonando o passado, resgatando as
tradições, mitos e crenças, a essência da cultura nigeriana.
Escultura
As
esculturas nigerianas são expressões artísticas feitas em bronze,
madeira, marfim, delicadas peças de terracota e ferro que traduzem
ricas histórias, mitos, crenças e a própria filosofia de vida do
povo nigeriano. Elas podem ser encontradas em galerias populares e
museus ao redor do mundo.
Arquitetura
As
construções nigerianas apresentam uma fascinante mistura de
culturas, religiões e povos. Isto pode ser claramente percebido na
arquitetura e urbanismo das cidades.
A
capital nigeriana, Abuja, é cercada de lindas colinas com bairros de
estilo colonial, extensos jardins e árvores floridas. Uma linda
mesquita enfatiza as tradições desse povo.
A
beleza do paisagismo urbano pode ser apreciada principalmente na Ilha
Ikoyl, nas Ilhas Vitorianas e em Yaba. O Palácio de Oba, na cidade
de Benin, antiga capital do reino Ioruba, conta com a riqueza de
antiguidades e obras de arte, porém costuma estar fechado para
estrangeiros. Junto ao palácio há o Museu de Antiguidades com belas
coleções de máscaras em bronze e terracota. Na cidade de Jos fica
situado o Museu da Arquitetura Tradicional Nigeriana.
Em
Kano, a maior cidade do norte, ainda existem os restos da imensa
muralha que cercava a milenar cidade e os monumentos nacionais Kofar
Na Isa, Kofar Dam Agundi e Kofar Sabuwar. Com muita singularidade
ainda existem os ateliers de tintas mais antigos da África e o
Mercado Kurmi, com joalherias e produtos têxteis.
13)
Arte Neozelandesa
As
primeiras manifestações artísticas da Nova Zelândia surgiram há
centenas de anos, e todas criadas pelos maoris, os nativos do país.
Seu
artesanato e fábulas poéticas criaram uma tradição que permanece
viva até hoje.
Como
seus primeiros colonizadores estavam mais preocupados em construir
uma nova terra do que com a arte, muitos de seus artistas emigraram
para a Europa e Estados Unidos para se aperfeiçoarem. Hoje,
entretanto, as grandes cidades da Nova Zelândia possuem galerias e
museus conhecidos e famosos em todo o mundo.
Muitos
artistas maoris são reconhecidos internacionalmente pela beleza de
suas vozes, e entre eles destaca-se a soprano Dame Kiri Te Kanawa.
Pintura
Os
maoris pintaram desenhos em abrigos, conhecidos como kowhaiwhai, e
mostravam grande capacidade em misturar temas como ondas, hastes de
plantas, conseguindo grandes variações. Usavam pigmentos de
materiais orgânicos e preferiam o preto, vermelho, ocre e branco;
tinham preferência pelas formas abstratas, mas foram encontradas em
cavernas figuras marinhas. Com a chegada dos colonizadores europeus,
passaram a desenhar navios, plantas e flores, sem entretanto deixar
sua tradição de lado. Na década de 1960, houve uma grande
interação entre a arte Maori tradicional e a pintura européia,
artistas introduziram a linguagem nativa em suas imagens,
reconhecendo a diferença cultural, mas sempre enaltecendo-a. As
pinturas são mais impressionantes pelo visual do que pela idéias
que representam. Destacam-se os pintores: Colin McCahon e Robyn
Kahukiwa.
Escultura
A
força e a beleza da arte maori é evidente em sua escultura,
desenvolvida através de séculos e contando sua história. Suas
esculturas são feitas em madeira, ossos humanos ou de animais,
basalto e jade.
O
tamanho das cabeças, a posição do corpo e sua forma se juntam em
cada peça para manter viva a lembrança dos acontecimentos da época.
Para seu povo, a escultura, além de servir como ornamento, significa
a identidade de sua gente e sua história.
Os
nativos usavam a escultura como um modo de demonstrar o respeito a
seus ancestrais e descrever danças de guerra com suas figuras
carregando lanças ou clavas, mostrando sempre expressões de desafio
aos inimigos.
Arquitetura
A
arquitetura da Nova Zelândia possui características dos maoris e
também de seus colonizadores. Por ser bem distante da Europa, a
evolução da arquitetura foi bastante lenta. Os abrigos dos
primeiros moradores eram feitos de ramos, cal e placas de madeira, e
depois surgiram casas com pórticos em madeira, que podem ser vistos
até hoje, em casas de campo. De 1860 a 1890, período de grande
prosperidade, quando as construções começaram a ser feitas de
tijolos, de pedras e cobertas com argamassa, palácios de justiça,
muitas prefeituras, agências de correio, escolas e outros edifícios
públicos foram construídos. Apesar disso, casas de madeira
continuaram a ser uma característica arquitetônica neozelandesa; em
meados do século XX, continuaram a explorar as possibilidades de
desenvolvimento da arquitetura indígena. Depois da primeira guerra
mundial, com empréstimos concedidos pelo governo, muitas casas foram
construídas. Mesmo possuindo muitos prédios do tempo colonial, a
arquitetura neozelandesa atual, possui um caráter internacional.
14)
Arte Panamenha
A
expressão artística é um dos elementos que melhor demonstra a
cultura de um povo, sua conduta, seu modo de pensar e sentir. O
legado deixado pelos espanhóis e colombianos foi absorvido de forma
rica e variada, e exerce até os dias de hoje forte influência nas
diversas manifestações artísticas panamenhas. Desde que o Panamá
se tornou uma república independente, em três de novembro de 1903,
as artes plásticas vêm se desenvolvendo de forma própria e têm
apresentado grandes mestres tanto no âmbito nacional quanto
internacional.
Pintura
O
Panamá apresenta talentosos artistas que utilizam diversos gêneros
de pintura: aquarela, pastel, óleo, acrílico. Criando seus próprios
estilos e combinações de expressões artísticas, surgem novas
técnicas que muitas vezes retratam ainda os estilos antigos. Toda
essa arte pode ser apreciada nas galerias, palácios e museus
panamenhos. A pintura acadêmica, o abstracionismo, o realismo e
tantos outros gêneros enriquecem a evolução da pintura panamenha.
Um importante e efervescente movimento artístico culminou nos anos
50, destacando nomes comoAlfredo Sinclair, o precursor da pintura
contemporânea no Panamá, Guillermo Trujillo, Carlos Arboleda, Mario
Calvit. Com os conhecimentos e recursos plásticos adquiridos na
Escola Nacional de Belas Artes, iniciava-se a pintura contemporânea
no Panamá, o que provocou grande impacto na pintura acadêmica. A
partir dos anos 60, surgiram novas instituições de arte que
contribuíram para o desenvolvimento da arte no país, com destaque
para o nome de Manuel Chong Neto, Coqui Calderón e outros. Nas
décadas de 70 e 80, o patrocínio veio estimular as exposições
coletivas e individuais. Novos recursos plásticos passaram a ser
utilizados além dos já reconhecidos e plenamente aprendidos e
dominados pelos panamenhos nas escolas de artes do México, Buenos
Aires, Estados Unidos, França e Espanha, consolidando o emergente
mercado da pintura contemporânea. Destacamos Teresa Icaza, Amalia
Tapia, ambas pintoras autodidatas, e aindaIsabel de Obaldía e
Olguita Sinclair, voltadas para uma tendência figurativa e
autobiográfica. As buscas continuam, pois o momento da criação é
sempre o grande desafio do artista plástico.
Escultura
A
escultura panamenha tem alcançado notável desenvolvimento mediante
a criação e utilização de diversas técnicas e materiais
empregados pelos artistas escultores. A arte panamenha de esculpir
abrange trabalhos em madeira, barro, papel maché, pedra e ainda o
taguá, um marfim vegetal, encontrado nos bosques do trópico, de
tato agradável que resulta numa forma inovadora de arte. Selerino
Checarama, um índio escultor, é o destaque para esculturas em taguá
desde 1990. Seus trabalhos são conhecidos pela beleza e alta
qualidade. Na madeira, os índios chocoes se destacam com belos
trabalhos. Esculpir no barro é uma tradição da arte panamenha e
também abrange uma técnica bastante rudimentar, porém com
resultados incríveis. O grande expoente é a escultora Yolanda
Mosquera. Mas não podemos deixar de citar a arte de esculpir belas
máscaras, uma atividade bastante atual e rentável, que exige muita
habilidade e capricho. Ela pode utilizar papel maché, madeira ou
barro, e apresenta geralmente cores espetaculares. Também
consideradas esculturas populares pelos panamenhos são as alegorias
e carros alegóricos que são criados e exibidos nos festejos e
desfiles folclóricos. Na utilização do vidro, destacamos a
escultora Isabel de Obaldía, que traduz sua criatividade usando
elementos do cotidiano com originalidade e força.
Arquitetura
A
arquitetura panamenha remonta a um rico e histórico passado, desde o
século 16 com as ruínas da antiga e originária cidade do Panamá,
passando pelo charme de Casco Viejo com as construções do período
colonial, a maravilha do Canal do Panamá e as construções
modernas, com grandes torres e modernos prédios comerciais.
A
arquitetura panamenha sofreu transições da época colonial para a
contemporânea. Nos séculos XIX e XX ficou evidenciada essa
descrição histórica da mudança. Três fatores foram determinantes
na arquitetura desse período: a independência da Espanha, a união
à Colômbia e a independência do Panamá em 1903. Primeiramente
houve uma espécie de paralisação na história da arquitetura
panamenha. Logo a seguir uma influência colonial e neoclássica
francesa iniciou um lento processo de transformação das raízes
hispânicas. Nessa época houve um comprometimento tanto com o
desenvolvimento econômico quanto artístico. Poucos prédios
públicos e residências foram construídos.
Aos
poucos, durante o século XX, a arquitetura republicana tomou rumo,
novos materiais de construção foram sendo usados, a madeira e a
fina carpintaria foram sendo trocadas por trabalhos em ferro fundido
utilizado nas varandas, portas etc. Sutilmente a arquitetura
panamenha foi encontrando suas tendências, e hoje o Panamá mescla o
estilo antigo com a fase de transição do estilo arquitetônico
tradicional até as formas arquitetônicas modernas.
15)
Arte Peruana
A
tradição artística do Peru remonta há de mais de 3.000 anos.
Mesmo recebendo grandes influências da colonização espanhola, a
civilização inca deixou traços na arte peruana.
A
população indígena criou belas esculturas, cerâmicas, peças de
joalheria e tecidos. Artesãos incas atingiram um alto grau de
habilidade técnica porque podiam dedicar-se inteiramente a seus
ofícios.
A
cerâmica era produzida em massa, usando formas e desenhos
padronizados, porém procuravam dar um toque individual a cada peça,
com cores fortes e bordas geométricas; o fundo entretanto tinha cor
neutra.
Na
metalurgia, trabalhavam a prata, o cobre, o ouro e o bronze,
transformando-os em ornamentos, ferramentas e armas; lâminas de ouro
combinadas com outros metais forravam as paredes dos templos.
Nas
estatuetas de metal, valorizavam a cabeça, com olhos e nariz bem
proporcionais; as superfícies eram bem polidas e o metal mais
apreciado era a prata.
Outros
especialistas faziam tecidos da lã da lhama, da alpaca e da
vicunha.Os incas ficaram famosos na construção de edifícios em
pedra. Usavam blocos tão grandes e pesados, que eram necessários
milhares de trabalhadores para trazê-los da pedreira; transportavam
as pedras usando roletes, planos inclinados e cordas.
A
música e a dança peruana são basicamente folclóricas.
Pintura
Não
existem evidências de uma tradição de pintura no período
pré-colombiano. Durante os séculos XVII e XVIII, a colonização
espanhola influenciou bastante a pintura, exercendo uma função
didática e religiosa e servindo como ferramenta para a catequização.
Quando
os pintores nativos deixaram de lado a influência européia, criaram
uma pintura de grande beleza e originalidade, transformando-a em arte
popular, sempre ligada a religião. Famílias do Peru recriaram e
enriqueceram esta pintura com técnicas que utilizam pintura a óleo
sobre tecidos.
Paisagens
também têm importância na pintura peruana; o artista tem
necessidade de descrever o que existe em volta do homem, uma extensão
subjetiva de sua presença, não uma simples reprodução
fotográfica.
A
pintura peruana teve grande destaque na cidade de Cuzco. Seus
artistas criaram uma das escolas de pintura mais importantes da
América do Sul, entre os séculos XVII e XVIII.
Uma
de suas características era a abundante utilização de pano dourado
para decorar as pinturas.
Escultura
No
período pré-colombiano, a escultura peruana era feita em cerâmica,
era uma arte bem rudimentar. Suas figuras mostravam seres
fantásticos, a fauna, a mitologia, cabeças e vasos. A escultura
teve grande desenvolvimento no período colonial pela necessidade de
decorar templos e conventos. Exímios escultores fizeram com
perfeição peças em madeira policromada como púlpitos, altares e
um mobiliário requintado para as igrejas. Esculturas externas também
mostravam o lado religioso com grupos de santos e imagens e o mundo
fantástico com cabeças decorando muros de castelos. Em toda a
escultura nota-se uma mistura da arte espanhola e indígena.
Arquitetura
Os
incas se tornaram famosos por suas construções.
O
material mais usado eram as pedras, suas casas possuíam um pátio
central de onde saiam todos os cômodos.
Construíram
fortalezas, templos e vias de comunicação. No tempo colonial, a
arquitetura era muito definida, com influência dos espanhóis e um
toque indígena.
O
material usado variava de acordo com a região, nas zonas costeiras
era usado o tijolo, em casas baixas, fachadas largas e fortes torres,
nas montanhas usavam a pedra, que possuíam em abundância, as
construções, eram altas, estreitas e ricamente trabalhadas.
No
século XIX, apesar da grande influência francesa, o que dominou nas
casas foi o desenho hispânico-indígena, fato que acontece até
hoje.
16)
Arte Portuguesa
Até
a formação do reino português, não se podem definir
características artísticas na arte de Portugal.
Com
a formação das ordens religiosas, iniciou-se a difusão do estilo
gótico, sucedendo o estilo românico visto até então na Sé Velha
de Coimbra.
Somente
no século XV, a pintura despontou com o magistral Políptico de São
Vicente, de Nuno Gonçalves. Mas foi mesmo no final desse século,
com as descobertas marítimas, que a arte portuguesa atingiu alto
grau de originalidade e riqueza decorativa, tanto na arquitetura
quanto na pintura e escultura.
Pintura
No
século XV, a pintura portuguesa despontou com a beleza dos paineis
pintados por Nuno Gonçalves, O Políptico de São Vicente. O final
desse século, período artístico de grande riqueza e originalidade,
ficou conhecido como arte manuelina. A pintura libertou-se da
influência flamenga, surgindo as escolas nacionais, em Lisboa e
Viseu.
A
influência italiana dominou a pintura religiosa durante o período
doRenascimento, porém a grande tradição portuguesa perpetuou-se na
arte do retrato. Ainda sob influência italiana, transcorreu o início
do Barroco com uma arte muito expressiva e de gosto nitidamente
português, marcada pelos azulejos pintados, com destaque para Jorge
Colaço. A influência das escolas européias contemporâneas foi
marcante e decisiva nos séculos XVII e XVIII, sendo responsável
pela transição da pintura do século XIX, que refletiu as grandes
correntes européias, principalmente a francesa.
O
século XX denotou a influência de Cézanne e do cubismo. A
tendência futurista e as formas modernas chegaram para definir então
uma nova expressão artística. Entre o período das duas guerras
mundiais, destacaram-se o expressionismo e osurrealismo. O pós-guerra
foi a grande época da abstração, marcada porFernando Lanhas, Nadir
Afonso, Artur Bual e muitos outros. Mais tarde, já nos anos 60,
chegou a influência da Pop Art em oposição ao expressionismo
abstrato, com destaque para Paula Rego. Nos anos 70, a vanguarda
caracterizou-se pela experimentação dos novos meios e materiais,
destaque para Fernando Calhau.
Escultura
A
escultura teve sua introdução no cenário artístico de Portugal no
século XVI sob influência do francês Chanterène, um dos
introdutores do espírito renascentista em Coimbra. Ele sofreu forte
influência das escolas européias contemporâneas.
Vale
destacar o grande escultor Antonio Soares dos Reis a um tempo
clássico e romântico. Após um longo período dominado pela herança
do classicismo, impuseram-se as formas modernas.
de Soares dos Reis, outros grandes nomes da escultura portuguesa
foramFrancisco Franco e Jorge Vieira.
Arquitetura
Somente
no século XII, com a implantação do estilo românico, surgiu uma
arquitetura nacional portuguesa denotada na construção da Sé Velha
de Coimbra. As ordens religiosas asseguraram a difusão do gótico,
que pode ser conferidos no Mosteiro de Alcobaça, túmulos de D.
Pedro I e D. Inês de Castro, Convento Dominicano da Batalha.
No
período conhecido como manuelino, ao final do século XV, temos a
beleza do Convento dos Jerônimos e da Torre de Belém.
Ao
final do século XV e início do século XVI, a influência italiana
deu lugar a uma arquitetura rococó muito expressiva. Surgiu a
presença dos belos azulejos pintados nas construções tipicamente
portuguesas. A Igreja dos Clérigos, construída entre 1732 e 1763,
no Porto, exibe ainda hoje esse estilo. O famoso arquiteto Nicolau
Nasoni contribuiu para a beleza desse monumento.
O
terremoto de Lisboa, em 1755, levou à reconstrução da cidade
através de um plano de urbanismo moderno que abriu caminho para o
neoclassicismo.
No
século XX, as tendências nacionais modernistas se destacaram
através dos arquitetos renomados, Álvaro Siza e Raul Lino.
17)
Arte Russa
A
arte russa foi resultado da fusão de culturas de vários povos que
por lá passaram ou se fixaram no país.
Na
Rússia, a arte sempre esteve impregnada de valores espirituais.
Durante
muitos séculos, sua arte constitui-se de ícones, utensílios
eclesiásticos objetos feitos pelas mãos de camponeses. Mesmo
sofrendo influência do barrocoe do romantismo europeu, seus artistas
mantinham seu estilo, dando grande importância à arte do povo e
assimilavam aos poucos as novas tendências que surgiam. No final do
século XIX, um grupo de jovens artistas deu início ao movimento
simbolista russo, marcado pelo lançamento da primeira revista
artística do país, "O Mundo da Arte". Artistas de várias
tendências se juntaram a este grupo e trabalhavam em diversas
modalidades, como teatro, cartazes, reproduções gráficas, dando
início à arte gráfica russa que seria muito usada no regime
comunista.
Devido
à grande extensão do país, a arte russa era adaptada ao gosto do
povo de cada região.
Pintura
Os
primeiros artistas russos foram os pintores de ícones, que também
dominavam com perfeição a técnica da pintura mural e do mosaico.
Artistas
jovens com grande potencial eram enviados à Itália para fazerem um
profundo aprendizado com grandes mestres europeus e em arte clássica.
No
século XIX houve o surgimento de artistas que pintaram suas telas
para a elite e também para o povo. Personificavam os sonhos, a
imaginação, os ideais e noções de beleza do homem e da natureza
em suas pinturas.
Na
segunda década do século XX, surgiram movimentos inspirados no
fauvismofrancês e no expressionismo alemão e também muitos
trabalhos primitivistas foram realizados.
Marc
Chagall, Kasimir Malevich e Vladimir Tatlin são pintores russos que
se destacam entre tantos outros. Malevich é considerado um dos
pioneiros da arte abstrata geométrica.
Escultura
Símbolos
de várias divindades que serviam como objetos de culto eram
esculpidos rudemente. Camponeses faziam esculturas e trabalhos
entalhados em madeira. A proibição de confecção de esculturas
pela igreja, a ausência de mármore, o estado que proibia o uso do
bronze, a não ser em estátuas de soberanos ou oficiais de alta
patente, retardaram o progresso da escultura russa. Por essas razões,
seu crescimento é recente e resume-se em pequenas peças de bronze.
Um dos mais conhecidos escultores russos é Eugene Lancere.
Arquitetura
Nos
primeiros tempos da Rússia, todas as suas construções eram de
madeira e as casas eram retangulares com telhados íngremes.
No
século I, igrejas também eram construídas de madeira, com desenhos
entalhados feitos por facas pelos artesãos, e se localizavam no alto
das colinas com uma vista para as florestas e vilas.
Mesmo
suas paredes serem rudemente construídas por toras de lenha, seus
telhados eram complexos, com cúpulas em forma de cebola, cobertas
por placas de madeira. Estas cúpulas eram somente decorativas, sem
nenhum propósito estrutural.
Durante
a Idade Média, as mais importantes construções russas se
inspiravam na arquitetura de Constantinopla e no Império Romano. As
igrejas possuíam no topo uma cruz grega com quatro pontas iguais;
suas paredes eram altas, com poucas aberturas, e seus tetos íngremes
possuíam múltiplas cúpulas.
As
idéias européias reinaram na época de Pedro, o Grande; a cidade de
São Petersburgo, que recebeu este nome em sua homenagem, foi feita
em moldes europeus e seus sucessores continuaram a tradição
trazendo arquitetos da Europa para desenhar palácios, catedrais e
outros prédios importantes.
Quando
floresceu o estilo rococó , foi construído para a Imperatriz
Elizabeth, filha de Pedro, o Grande, o mais famoso prédio da cidade
imperial de São Petersburgo, o Palácio de Inverno Hermitage. Quando
Catarina a Grande tornou-se imperatriz, adotou o neoclassicismo como
o estilo oficial da corte.
No
século XX, com a Revolução Russa, aconteceu também a revolução
nas artes, e o construtivismo marcou a nova ordem socialista. O
Mausoléu de Lenin foi descrito como a obra prima da simplicidade da
arquitetura. Originalmente, era um cubo de madeira, onde o corpo de
Lenin, fundador da União Soviética, foi colocado dentro de um
caixão de vidro. Em 1930, a madeira foi substituída por granito
vermelho, simbolizando o comunismo, e preto, o luto. Esta pirâmide
fica situada em frente ao Palácio do Kremlin.
Depois
da II Guerra Mundial, arquitetos foram contratados para desenhar uma
série de prédios bem altos incorporando o estilo gótico do século
XVII. A arquitetura moderna russa é uma combinação de um uso mais
versátil de espaço com uma decoração estética, e usa materiais
como placas de vidro e concreto, painéis de cerâmica e mosaico.
18)
Arte Samoana
A
arte em Samoa tem como destaques música, dança e principalmente o
artesanato. A música tem muita importância na vida samoana. Antes
da chegada dos europeus, só eram usados dois instrumentos: o pate,
um longo de tambor com diferentes tamanhos, e o fala, uma esteira
enrolada, onde se batia com paus e tinham a colaboração da voz
humana. Como não existia escrita, muitas histórias eram contadas
pelas canções. Atualmente, dois instrumentos são o sinônimo da
música de Samoa, o sielo, que soa como um baixo, e o ukele, uma
pequena guitarra de quatro cordas. O ukele algumas vezes tem sua
caixa feita de metade de um coco. Mesmo ainda conservando seu lado
tradicional, a música atual de Samoa é dominada por grupos de rock.
A
dança de Samoa é provavelmente a área que foi menos afetada pela
civilização ocidental. Enquanto sua música adotou a guitarra e
outros instrumentos, a dança continua tradicional, com movimentos
graciosos do corpo, mãos e braços. Há vários tipos de dança que
são realizados individualmente ou em grupos, às vezes sentados ou
em pé.
Siva,
palavra que significa dança, também se refere a um tipo de bailado
no qual a bailarina em pé representa uma atividade do cotidiano, e
usa a tuiga, um enfeite de cabeça feito de cabelos humanos.
Taualunga é parecida com a siva; porém, além da bailarina, grupos
de homens também participam e o enfeite da cabeça é feito de
flores. Sasa é uma dança interpretada por um grupo de homens e
mulheres, ambos sentados e em pé, e seus movimentos de mãos
representam suas atividades diárias.
O
artesanato está entre os melhores do sul do Pacífico com uma
excelente variedade de jóias, bolsas femininas, leques, esteiras e
tigelas de madeira.
Siapo,
também conhecido como tapa, é uma das mais antigas formas de arte
samoana. Por séculos, foi passada de geração em geração, e é o
símbolo da cultura de Samoa.
O
material usado é a folha de uma planta chamada pandanus, a qual é
preparada clareada no mar e no sol, para torná-la macia e fácil de
ser trabalhada; depois é assada em fôrmas de vários tipos. Fibras
de coco e conchas também são usadas como decoração. Merece
destaque neste artesanato a artista samoana Tupito Walker Gadalla.
19)
Arte Sul-Africana
A
arte sul-africana expressa com rara beleza suas raízes, a flora, a
fauna e sobretudo o jeito de viver do seu povo. A África do Sul
abriga uma das mais antigas e belas expressões artísticas do mundo,
a arte em pedra. Pinturas, gravuras e entalhes nas rochas das
cavernas espalhadas pelo país contam de forma rude sua tradição
cultural, com rituais e muito simbolismo de milhares de anos.
Na
era colonial, devido o contato com a Europa, chegaram os primeiros
estímulos para a evolução da expressão artística que é
traduzida atualmente de forma vibrante e desafiadora através da arte
contemporânea.
Pintura
Iniciada
há milhares de anos nas paredes das cavernas, a pintura sul-africana
denota tradição artística e bom gosto, revelando artistas
fantásticos e sensíveis que não abrem mão de expressar nos seus
trabalhos a cultura do seu país. Avançando no tempo e chegando ao
século XIX, pintores concentraram sua preocupação na expressão da
arte local, buscando suas raízes e pintando paisagens locais, a
fauna e a flora, seu povo, sua identidade nacional, porém sem
abandonarem o desenvolvimento das metrópoles.
Já
nas primeiras décadas do século XX, as paisagens sul-africanas
foram expressas com bastante sensibilidade, beleza e geometria, sem
da mesma forma fugir à ideologia nacionalista. Mais adiante foram
sendo introduzidas as técnicas e expressões do pós-impressionismo
e expressionismo.
O
novo espírito cosmopolita chegou definitivamente ao país revelando
gerações e gerações de artistas sul-africanos que renovaram a
arte com o abstracionismo e o modernismo, utilizando técnicas
estilizadas e de muita cor. Após a II Guerra Mundial, o sentimento
artístico europeu invadiu o país com uma pintura detalhista,
sofisticada, expressa nos auto-retratos, na nudez e também nas
paisagens.
Com
os anos do Apartheid (colocar link) (1948-1994), assim como na era
colonial, os pintores negros foram negligenciados e os pintores
brancos receberam treinamento e aperfeiçoamento formando uma classe
artística representativa da África do Sul.
Apesar
de toda a evolução da expressão artística, um grupo se formou
para incentivar a arte em pedra e cultuar as tradições
sul-africanas sem no entanto comprometer a beleza da arte
contemporânea. Um vasto sortimento de materiais tem trazido riqueza
de criatividade para o cenário contemporâneo. Do passado
tradicionalista ao futuro incerto muita produção e inovação
artística tem sido apresentada nas galerias e museus de
Johannesburg, Durban e Cidade do Cabo.
Escultura
A
escultura sul-africana remonta ao tempo da arte das tribos indígenas,
sua história e seu povo, apresentando peças de terracota, entalhes
em pedra e madeira de figuras humanas.
Bem
mais tarde, já no século XII se tem registro de esculturas em
metal. A madeira é o material que representa fortemente a tradição
da arte de esculpir na África do Sul.
Além
dos escultores nativos, há os que utilizam estilos estrangeiros e
contemporâneos de arte. As figuras humanas ainda são um tema
importante para a atual geração dos artistas sul-africanos.
Arquitetura
A
arquitetura sul-africana vem aos poucos integrando o cenário
internacional, com arquitetos competentes, belas cidades, modernas
construções e grande desenvolvimento. Com a segregação dos
brancos e negros, devido ao regime do Apartheid, a paisagem urbana
foi concebida por núcleos residenciais e comerciais, como ilhas,
cercados de segurança máxima, tornando o contato com as ruas
distante. No andar térreo dos centros de lazer e comércio
constatava-se num passado recente, cidades de 3º mundo, enquanto que
nos andares superiores, longe das ameaças, apreciava-se uma
realidade de 1º mundo.
Livres
do regime do Apartheid (colocar link), os arquitetos sul-africanos
vislumbraram o rompimento do isolamento cultural. O foco do processo
de desenvolvimento arquitetônico ainda está mais voltado para o
ético do que para o estético, o processo é lento, abrange a
questão da infra-estrutura e da legislação urbana. Mas, com
certeza, o espírito de renovação está em andamento e é
preocupação evidente do governo. Os projetos de urbanismo,
construções de parques, centros comunitários, centros culturais
tem como meta principal realizar a integração, para assim
transformar definitivamente as cidades do Apartheid em cidades do
futuro, cidades realmente funcionais.
A
Cidade do Cabo é considerada uma das mais belas do mundo. A
diversidade cultural e arquitetônica impressiona e está por todo
lugar, com magníficos restaurantes, museus, centros comerciais e
feiras de artesanato. Johannesburg é o principal centro comercial e
industrial, moderna e cosmopolita. Sun City é a cidade do turismo
com hotéis, cassinos e um belo parque aquático.
A
África do Sul tem ainda um entre os dez mais importantes parques
ecológicos do mundo, o Parque Kruger.
20)
Arte Tailandesa
As
expressões artísticas tailandesas são produto da imigração, do
sul da China à Indochina. Os Thai estabeleceram pequenos principados
entre aqueles povoados que configuraram o marco do desenvolvimento da
arte. A arte tailandesa coincide com sua base religiosa. O budismo
inspirou a arte e a arquitetura desde o início da formação da
nação tailandesa.
Pintura
A
arte tailandesa encontra expressão na pintura e no artesanato de
porcelana e cerâmica. A pintura thai, em sua maior parte de caráter
religioso, tem raízes provavelmente na Índia e no Sri Lanka.
As
pinturas pré-históricas são encontradas nas diversas cavernas do
país. As expressões artísticas tailandesas que antecedem o século
XVIII foram encontradas nos murais na antiga capital, Ayuthaya, mas
foram totalmente destruídas. O que ainda permanece do século XVIII
até os dias de hoje são murais com motivos religiosos contando a
vida de Buda em cores vivas e detalhes minuciosos.
Quanto
à pintura contemporânea, as influências são exercidas por
diversos pintores europeus e pode ser apreciada nos museus e galerias
de Bangkok.
Escultura
A
origem da escultura tailandesa sofreu influência chinesa, birmana,
indiana e do Khmer. Podem ser apreciadas nos templos, monastérios,
palácios, museus e galerias do país. Apresentam as mais variadas
representações de Buda e da própria filosofia budista.
Apesar
da preocupação com a tradição cultural, a arte de esculpir tem
demonstrado um requintado desenvolvimento na Tailândia. No Museu do
Parque, belas peças criadas em diferentes estilos e épocas
configuram essa evolução que abrange gerações e gerações de
escultores.
Arquitetura
O
estilo arquitetônico tailandês é com certeza refinado, firmou-se
no século XIV e vem se consolidando até os dias de hoje com
deslumbrantes edificações que combinam sobriedade e virtuosismo.
Traz uma bagagem da cultura chinesa com suas dinastias. A arquitetura
tradicional da Tailândia agrega a arte popular. A decoração
configura esculturas em pedra, madeira e argila, pinturas coloridas e
muita cerâmica.
A
arquitetura tailandesa coincide também com a base religiosa do país
que é percebida nos mosteiros, palácios e templos budistas. Os
templos, chamados deWat, geralmente são construídos em madeira. A
disposição das construções dos templos tem especial
característica devido às especificações dos diversos ambientes. O
Bot é o lugar de culto sagrado; Vihara é um lugar para reunião;
Sala é o pavilhão para o descanso e Chedi é onde se guarda as
relíquias, objetos sagrados, vestes para os cultos, estátuas e
escrituras sagradas.
Uma
curiosidade deve ser observada nas construções thais: elas
apresentam a chamada "casa dos espíritos". Segundo os
tailandeses, é onde vivem os espíritos que protegem a casa. Ela é
tão importante que geralmente se planeja antes da construção da
casa ou edifício. Deve ser mais bonita e decorada que a construção
principal, e uma vez inaugurada com uma cerimônia, os thais fazem
oferendas diárias de flores, velas, luzes coloridas, incensos e até
punhados de comida. Desta forma os espíritos ficam calmos e não
atrapalham o cotidiano das pessoas. Segundo a crendice dos
tailandeses, isso evita também que os espíritos morem dentro de
casa junto deles. Esse espaço deve ficar num local em evidência,
longe da sombra da construção principal.
21)
Arte Tanzaniana
As
expressões artísticas tanzanianas são baseadas na cultura local e
de um modo geral contam uma história do povo. Refletem a vida
cotidiana, a fauna, a flora, superstições. A arte tribal é mais
recente e bastante colorida, conhecida como Arte Tingatinga. As
máscaras e bustos talhados na madeira também são muito conhecidos,
representando fatos importantes como casamentos, colheitas, guerras.
Pintura
Tradicionalmente,
pessoas pintavam em paredes, couro ou em pedras. As pinturas refletem
cenas da cidade, da vida cotidiana, animais estilizados, pássaros e
superstições. Mais recentemente, os tanzanianos desenvolveram
formas de arte indígena, principalmente imagens muito coloridas da
vida em comunidade, da natureza, de espíritos maus etc.. O pioneiro
desta forma de arte foi Edward Saïd Tingatinga, da tribo Makua. Este
estilo de pinturas coloridas, sobre a natureza e a vida da Tanzânia,
é chamada Arte de Tingatinga, em homenagem a Said, e é muito
conhecida em vários países, como uma arte indígena da Tanzânia.
Nesta pintura, os personagens, as plantas ou animais são delimitados
por contornos visíveis, acentuados por cores contrastantes, dando
uma impressão de duas dimensões. Cada pintura conta sua própria
história, é toda baseada em sua cultura e muito enriquece a arte
africana.
Escultura
A
Tanzânia é famosa em todo o mundo por sua escultura em madeira,
geralmente conhecida como Arte Makonde. Suas esculturas normalmente
retratam animais e seres humanos. Esta arte é produzida pelo próprio
povo e usa uma madeira preta, o ébano, localmente chamado de mpingo;
a dureza, a durabilidade e a cor fazem esta madeira perfeita para
esculpir. Alguns artistas, depois das peças prontas, passam graxa de
sapato para dar mais brilho.
Seu
trabalho é tanto tradicional como contemporâneo, refletindo o seu
passado tribal e também a vida urbana, utilizando seus mitos e
histórias como inspiração. Um outro estilo muito popular é o
"Shetani", o qual retrata demônios em várias formas e
árvores de famílias, as quais representam a tradição da união
familiar; são várias pessoas esculpidas em um só pedaço de
madeira.
22)
Arte Uruguaia
A
riqueza da cultura uruguaia e a beleza de sua arte é algo
simplesmente fenomenal se pensarmos na dimensão territorial e na
densidade populacional do país. O Uruguai tem sua própria
literatura, música e artes visuais. A arte uruguaia remonta aos
tempos pré-colombianos, quando índios fizeram desenhos nas paredes
e tetos de suas cavernas. Foram encontrados pelos arqueólogos
grandes blocos de pedra da arte rupestre local, com pinturas,
gravuras, singelos desenhos geométricos e também algumas gravuras
com uma técnica mais escavada na rocha simbolizando rituais de
milhares de anos. Esses foram os primeiros sinais da arte no Uruguai.
Pintura
O
panorama atual da pintura uruguaia é fruto de muitos anos de intensa
produção artística, com equilíbrio, materiais diversos e uma
exultante criatividade. As pinturas uruguaias revelavam o cotidiano,
a natureza, a história do país etc.
O
grande marco foi Joaquin Torres Garcia, mestre do construtivismo e
considerado um dos pioneiros do modernismo, que certa vez disse: "A
História da Arte mostra que todos os povos passam do puramente
imitativo ao abstrato. Essa evolução não é eventual: obedece à
tendência da Humanidade."
Após
a Ditadura Militar (1973-1984), uma tendência de expressão livre e
intensidade cromática surge com uma nova geração de pintores
formados nas oficinas de arte e não somente na Escola de Belas
Artes, formando novas correntes como canais de expressão. Alguns
artistas se afastam definitivamente da escola de Torres Garcia apesar
do grande reconhecimento pelo seu talento e importância para as
artes plásticas.
As
figuras humanas, os animais, os objetos e as colagens denotam um
mundo surreal, mágico. Surrealismo, Neo-expressionismo e Pop Art
habitam a expressão artística uruguaia. As superfícies
texturizadas ou lisas revelam grandes mudanças. As pinceladas
mostram que os artistas plásticos uruguaios não estão presos às
convenções.
Entre
os grandes pintores uruguaios destacam-se Juan Manuel Blanes, Rafael
Barradas, Jose Cuneo e muitos outros.
Escultura
A
escultura foi influenciada por muitos artistas estrangeiros que
trabalharam no país no início da República. A cidade de
Montevidéu, com suas grandes avenidas e praças, exibe monumentos e
esculturas de importantes escultores que contam muitos fatos
históricos do Uruguai. Juan Manuel Ferrari é considerado um dos
principais escultores uruguaios. José Belloni, um escultor realista
e o mais conhecido, produziu peças que retratam o dia-a-dia, a
história do Uruguai e seu lado folclórico. Mas, entre todos os
escultores, tem aquele que faz a diferença pela sua criatividade e
estilo de vida, Carlos Páez Vilaró, o mentor da Casapueblo.
Arquitetura
Com
uma arquitetura de estilo colonial, o Uruguai ainda guarda seu ar
antigo, clássico e atraente. Mas tem também sofrido uma evolução
do tradicional estilo das raízes hispânicas para uma arquitetura de
vanguarda, moderna, com uma linguagem própria. Montevidéu, a bela
capital, é inteiramente circundada por praia de areia branca,
combina os estilos arquitetônicos espanhol, italiano e art deco.
A
cidade possui amplas avenidas, com centenárias árvores e prédios
tombados, como o Palácio Salvo e o Portal da Cidade Antiga, na Plaza
Independência, a majestosa sede administrativa do Mercosul, o
Palácio Legislativo, o Mercado dos Artesãos e o Mercado do Porto,
com seus restaurantes característicos. É composta pela Cidade
Velha, com uma arquitetura do século 19, e pela área nova. Punta
del Este, o magnífico e rico balneário, semi-deserto até o início
do século 19 e visitado apenas por pescadores e velejadores, atrai
pelas praias, esportes, cassinos, restaurantes e uma fantástica vida
noturna. Suas construções, também do século 19, são prédios,
grandes hotéis e belas residências.
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